dissabte, 22 de desembre del 2018
dimarts, 18 de desembre del 2018
Vincent van Gogh (1853-1890).
Vincent van Gogh (1853-1890), fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. En 1885 (con 32 años) pintó la primera gran obra de su corta carrera, ya que murió a los 37 años de edad.
Esta obra tiene como título: Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos y terrosos.
La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia con la intención de formar allí, una colonia de artistas. Su fantasía era que los artistas vivieran juntos, en comunidad, y que pintaran y aprendieran los unos de los otros. Consiguió su plenitud durante su estancia en Arlés, son conocidas sus obras: El cuarto amarillo, Los girasoles, La noche estrellada. Allí convivió durante un tiempo con el pintor Paul Gauguin, pero sus distintas formas de pintar, las diferencias de carácter y las alteraciones mentales de Van Gogh terminaron en una relación tormentosa que acabó en tragedia cuando Van Gogh se secciona parte de la oreja.
https://www.huffingtonpost.es/2015/03/30/curiosidades-van-gogh_n_6293458.html
Diapo 43 obra analizada:
https://www.slideshare.net/ignaciosobron/define-el-concepto-de-postimpresionismo-y-especifica-las-aportaciones-de-czanne-y-van-gogh-como-precursores-de-las-grandes-corrientes-artsticas-del-siglo-xx
Diapo 43 obra analizada:
https://www.slideshare.net/ignaciosobron/define-el-concepto-de-postimpresionismo-y-especifica-las-aportaciones-de-czanne-y-van-gogh-como-precursores-de-las-grandes-corrientes-artsticas-del-siglo-xx
Es una de las obras más famosas del mundo, apreciada por décadas por sus formas sinuosas y azules profundos.
Pintado en 1889, la obra trata de las vistas nocturnas que tenía Van Gogh desde su habitación en el sanatorio mental de Saint-Remy, donde pasó los últimos años de su vida.
En segundo plano el pueblo, cuya tranquilidad y colores sombríos contrasta con la enérgica composición del cielo, donde sus voluptuosas texturas y trazos en espiral transmiten vivacidad y dinamismo. Se dice que Van Gogh expresaba así que la obra está centrada en el cielo y no en la tierra.
"La noche estrellada sobre el Ródano", 1888.
Vincent “sentía” los colores, tal y como ocurre en la “sinestesia”, como asociar un sabor a una música, y el amarillo representaba su mundo interior. Los sinestésicos perciben con frecuencia y de manera involuntaria correspondencias entre tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores o colores. La sinestesia es, en definitiva, la experimentación de dos sentidos que funcionan mezclándose entre ellos.
(Minut 10' blau i rosa nens&nenes, minut 12' sinestèsia)
Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872.
"El cuarto amarillo", 1888.
El viñedo rojo cerca de Arlés (La vigne rouge).1888 La estampa, como podemos ver en la siguiente imagen, recoge el momento de la vendimia en un atardecer otoñal que envuelve en tonos rojizos el viñedo. La idea es simple, no deja de ser una imagen que representa a las mujeres que trabajan en un viñedo. Vincent supo captar con la gracia casi infantil que le caracteriza una escena de la vida cotidiana de la Provenza. La brava coloración atrapa rapidamente la atención. Las mujeres, extenuadas de trabajo que supone recoger las uvas que crearan el vino, participan sin saberlo en una sinfonía de palpitante color.
Van Gogh utilizó colores cálidos, principalmente rojo y amarillo, con rayas de azules de la ropa de las mujeres, y los árboles que bordean la imagen. El rojo recuerda lejanamente a la tonalidad de un buen Pinot Noir. Sin embargo, a pesar de que el esquema de color se basa principalmente tonos cálidos, se trata de una imagen ciertamente discordante, como el color amarillo mostrando toques de verde, y el azul colocándose justo al lado del rojo. La pincelada, entrecortada, sigue un patrón ondulado. La sensación es poco organizada: no es una simple ilustración de un paisaje, debemos abordarla entendiendo las emociones del artista. Más allá del paisaje también podemos intentar ver el propio estado mental de Van Gogh. La iluminación de la imagen es muy surrealista, alejado de la realidad, muy poco natural. Sin embargo, la colocación de los objetos y la escena representada es muy realista, de tal manera que, combinado con el efecto surrealistas de la luz, da al espectador una visión muy disonante, chocando contra él y confundiéndolo.
“Más vale ser atrevido aunque se cometan muchos errores que ser estrecho de mente y demasiado prudente”, consideraba Vincent. El mundo de la pintura académica, sin embargo, se escandalizó. Para ellos un desprecio flagrante de la realidad era igual a una blasfemia. La obra de Van Gogh no pudo ser apreciada en su época, ya que no pudieron percibir su valor estético intrínseco. Digamos que la sociedad no estaba preparada para algo así. Esto es tremendamente habitual cuando hablamos de verdaderos genios, aquellos que ven las cosas de forma diferente, ofendiendo a los que se usan las viejas costumbres.
Reflexión crítica sobre la obra de Vincent van Gogh, al que considero el peor de los pintores impresionistas, comparándolo con Toulouse-Lautrec, Paul Sicnac o Cezanne entre otros.
Alfred Sisley (1839 - 1899).
Alfred Sisley (1839 - 1899). Pintor anglo-francés. Sus primeras influencias artísticas provinieron de los paisajistas ingleses y de la Escuela de Barbizon (conjunto de pintores paisajistas). Luego tuvo estrecha relación con Claude Monet y otros impresionistas. De esta escuela, aunque no muy conocido en vida, fue uno de sus pintores más característicos por su temática y por su estilo: efectos de luz en paisajes (especialmente acuáticos), pincelada muy suelta y colores agradables. Pintó principalmente la naturaleza de los alrededores de París.
Su padre, William Sisley, comerciante rico, deseaba que continuase con sus negocios, y lo envió a Inglaterra entre 1857 y 1861 para que estudiase el idioma. Sin embargo, al volver se interesó por el arte y con permiso paterno entró en 1862 en el taller del pintor Charles Gleyle. Allí conoció a Claude Monet y Auguste Renoir, ninguno de ellos gustó del concepto de paisaje de su Sisley, y en 1862 lo abandonaron y se trasladaron al pueblo de Chailly-en-Bière (cerca del bosque de Fonainebleau) para pintar al aire libre.
Bajo la influencia de la Escuela de Barbizon (conjunto de pintores paisajistas), Sisley realizó numerosos paisajes de colores suaves, matizados mediante luces y sombras, con el objetivo de captar la atmósfera de la naturaleza. En 1866 presentó en el Salón de París dos cuadros, uno de los cuales era Camino de castaños en la Celle-Saint-Cloud, de 1865:
Alfred Sisley Church in Moret: La iglesia fue pintada por el artista en 12 ocasiones, más o menos desde el mismo ángulo, en diferentes épocas del año, diferentes horas del día y en diferentes condiciones climáticas, dando como resultado una iglesia totalmente distinta, por lo menos en lo que a luz se refiere. Y como bien sabemos, la luz era la herramienta principal de los impresionistas. Estos experimentos lumínicos eran muy típicos del grupo impresionista, y el más famoso fue Monet, que intentó capturar la luz cambiante en la fachada de la catedral de Rouen más o menos durante estos años.
Pero mientras Monet fue desestructurando la catedral sin piedad para explorar todas sus vibraciones cromáticas, Sisley muestra un profundo respeto por las cualidades arquitectónicas de la iglesia que tenía al lado de su casa y se ve en el análisis de los volúmenes que hace el pintor, y también en el detallismo que demuestra.
Las variaciones de color de este lienzo en concreto son respuestas racionales a lo que realmente ven sus ojos, no esos espejismos borrosos de Monet. Aunque tanto el uno como el otro artista son considerados los impresionistas «más puros».
Pero mientras Monet fue desestructurando la catedral sin piedad para explorar todas sus vibraciones cromáticas, Sisley muestra un profundo respeto por las cualidades arquitectónicas de la iglesia que tenía al lado de su casa y se ve en el análisis de los volúmenes que hace el pintor, y también en el detallismo que demuestra.
Las variaciones de color de este lienzo en concreto son respuestas racionales a lo que realmente ven sus ojos, no esos espejismos borrosos de Monet. Aunque tanto el uno como el otro artista son considerados los impresionistas «más puros».
Su padre, William Sisley, comerciante rico, deseaba que continuase con sus negocios, y lo envió a Inglaterra entre 1857 y 1861 para que estudiase el idioma. Sin embargo, al volver se interesó por el arte y con permiso paterno entró en 1862 en el taller del pintor Charles Gleyle. Allí conoció a Claude Monet y Auguste Renoir, ninguno de ellos gustó del concepto de paisaje de su Sisley, y en 1862 lo abandonaron y se trasladaron al pueblo de Chailly-en-Bière (cerca del bosque de Fonainebleau) para pintar al aire libre.
Bajo la influencia de la Escuela de Barbizon (conjunto de pintores paisajistas), Sisley realizó numerosos paisajes de colores suaves, matizados mediante luces y sombras, con el objetivo de captar la atmósfera de la naturaleza. En 1866 presentó en el Salón de París dos cuadros, uno de los cuales era Camino de castaños en la Celle-Saint-Cloud, de 1865:
Nieve en Louveciennes
Alfred Sisley, 1878
Alfred Sisley, 1878
La paleta de Sisley se ha reducido al mínimo para retratar la nevada. El cielo está dominado por el gris, y la nieve por el blanco. El punto de atención al que la composición dirige la vista del espectador es la pequeña figura negra del personaje del fondo.
Inundación en Port-Marly
Alfred Sisley, 1876
La pincelada que emplea Sisley es diluida, en consonancia con la intención del artista para crear una atmósfera transparente y luminosidad difusa. La factura de las nubes, con una variedad de luces y sombras, recuerda a las de Eugène Boudin que fué uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre:
Alfred Sisley, 1876
La pincelada que emplea Sisley es diluida, en consonancia con la intención del artista para crear una atmósfera transparente y luminosidad difusa. La factura de las nubes, con una variedad de luces y sombras, recuerda a las de Eugène Boudin que fué uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre:
Boudin, Eugène | Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Museo Thyssen-Bornemisza
Étretat. El acantilado de Aval
diumenge, 16 de desembre del 2018
Anuncios Publicidad
Anuncio MARKHAM 3 Publicidad y RR.PP
Royal Bliss, complicarse la vida es maravilloso - Anuncios Publicidad España 2017
Royal Bliss: La historia de un sorbo.
Subscriure's a:
Missatges (Atom)