Francisco de Goya

http://www.basilicadelpilar.es/espacioGoya.htm

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Resum vida i obra de Goya:

"pintor de luces y sombras"

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Goya en Madrid: San Antonio de la Florida

Manuela Mena, Jefe de Conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya del Museo Nacional del Prado, comenta la obra de Goya en diferentes enclaves de Madrid: Museo Lázaro Galdiano, Banco de España, Museo Nacional del Prado, San Antonio de la Florida y la Academia de Bellas Artes de San Fernando:

https://www.youtube.com/watch?v=1d892kNNuUA

https://www.youtube.com/watch?v=zwoiS73c15I

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"The Most Disturbing Painting"

A closer look at Francisco Goya's scariest painting by Nerdwriter

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Velaske, yo soi guapa? (Las Meninas Trap Mix)

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https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-familia-de-carlos-iv/f47898fc-aa1c-48f6-a779-71759e417e74

https://www.youtube.com/watch?v=ic_cVs17ViA

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Todos los secretos de los caprichos de Goya. Censura, monstruos, actualidad, arte:

Top 10 Caprichos favoritos de Goya. El Arte de la protesta:

  HABLEMOS DE GOYA ¿QUÉ ES EL ARTE CONTEMPORÁNEO? ¿SOY COLECCIONISTA?:

          ¿QUÉ MIRA EL PERRO DE GOYA? UN SECRETO DE LAS PINTURAS NEGRAS:

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La carta, la flecha y la escoba, FRANCISCO DE GOYA:

"Las Jovenes", 1812, y "Las Viejas", 1810, de Francisco de Goya. Museo de Bellas Artes, Lille.

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Pinturas negras (1819-1823) es el nombre que recibe una serie de 14 obras murales de Francisco de Goya, pintadas con la técnica de óleo al secco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo, que había adquirido en febrero de 1819. Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid:

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Presuntamente, la Reina María Luisa de Parma, en complicidad con su atribuido amante, Manuel Godoy, Príncipe de la Paz, envenenó a la Duquesa de Alba.

Escena de la película "Volavérunt" de Bigas Luna:

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Goya, el secreto de la sombra (film completo):

Un fotógrafo de obras de arte compra en una casa de subastas un retrato anónimo del siglo XIX que, según él y los singulares expertos que le asesoran, es un Goya, un Goya a la sombra ... Esta historia es el punto de partida de un viaje personal por el mundo del arte y el universo de Goya.

El film cuenta con la participación de destacados expertos en la obra y vida de Goya, como Manuela Mena, Juliet Wilson, Valeriano Bozal, Jesusa Vega y otros. 

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"Los desastres de la guerra"

Títol: Qué valor!.

Autor: Goya.

Agustina era voluntària junt amb altres dones fent la feina de la rereguarda. Enmig de la resistència una granada va fer explotar la munició i matà els artillers, fet que va possibilitar que els francesos es poguessin aproximar. Agustina va decidir disparar el canó i aquests es van retirar. Per aquest fet va rebre una insígnia, una pensió de trenta rals diaris, el rang d'alferes d'artilleria i dos escuts d'honor pels seus interessants serveis; començà així la llegenda i el mite de l'Artillera del Portillo.

Algunes versions descriuen que va ser l'1 de juliol de 1808, quan mentre portava vitualles al seu marit, Agustina va posar topall a un canó a punt de ser detonat però amb l'assistent ferit amb la metxa encara a la mà. Va agafar la metxa i va encendre el canó, que apuntava a la porta del Portillo. No se'n sap res de les conseqüències reals d'aquesta acció en la batalla, però el general Palafox va descriure la seva acció com èpica.

Des d'ací  volem rendir homenatge a:

Agustina d'Aragó

(fes clik per tal d'obtindre més informació)

https://goya.unizar.es/InfoGoya/Aragon/Agustina.html

Los desastres de la guerra​ es una serie de 82 grabados del pintor español Francisco de Goya, realizada entre los años 1810 y 1815. El horror de la guerra se muestra especialmente crudo y penetrante en esta serie. Las estampas detallan las crueldades cometidas en la Guerra de la Independencia Española. En vida de Goya solo se imprimieron dos juegos completos de los grabados. La técnica utilizada es el aguafuerte:  una modalidad de grabado que se efectúa tomando como base una plancha o lámina de aleación metálica, habitualmente de hierro, zinc y, más frecuentemente, cobre. Esta se recubre de una fina capa de barniz protector, o de cera resistente a los ácidos. El grabador dibuja con un estilete de punta cónica muy afilada en esta capa de barniz, llegando justo hasta el cobre sin penetrar en él. Posteriormente se sumerge la lámina con su barniz en una solución de agua y ácido nítrico, la cual recibe el nombre del aguafuerte propiamente dicho. Esta solución corroe el cobre en las zonas en que este no está protegido por el barniz, y deja unos surcos. El tiempo de inmersión de la lámina en el ácido determina la profundidad de la línea en el grabado, otorgándole a mayor tiempo mayor bajorelieve.

Auguste Rodin (1840-1917). Camille Claudel (1864-1943)

CAMILLE CLAUDEL:(1864-1943)

"La Edad Madura (L’Age mûr)" 1899 – 1903.

 Escultura en bronce de Camille Claudel.

El hombre al final de su madurez es vertiginosamente arrastrado por la Edad, mientras que tiende una mano inútil hacia la juventud que quisiera en vano seguirlo. [...] Claudel separó la mano del personaje principal de la mano de la figura de la Juventud para expresar mejor su alejamiento de ella. Además, envolvió a la figura de la edad con ropajes flotantes que acusan la rapidez de su marcha.

CAMILLE CLAUDEL - "Sueño y Abismo" - MicroDocumental

Auguste Rodin (1840-1917)

François-Auguste-René Rodin. 

 Considerado el padre de la escultura moderna, su importancia se debe a la ruptura con el canon académico que imperaba en el siglo XIX en Francia. Ésto no significa que el artista no conociera o dominara las reglas de la estética de su tiempo, sino que su concepción del arte le permitió inaugurar una nueva etapa en el ámbito de la escultura.

La excentricidad como arma:

Todo artista que se preciara debía encarar una prueba de fuego: exponer en el Salón.  En el siglo XIX, el Salón de París (exposición de arte oficial de la Academia de Bellas Artes) fue el acontecimiento artístico anual o bienal más importante del mundo. Este representaba una de las grandes citas de la vida social parisina y seguía unas estrictas convenciones: las obras expuestas eran rigurosamente seleccionadas por la Academia y debían ajustarse a ciertos patrones.

     En 1863, el jurado del Salón rechazó más de 3000 obras. Como resultado hubo protestas, en particular de los expositores individuales que habían sido rechazados. Para probar que los Salones eran democráticos, Napoleón III decretó que los artistas rechazados podían exponer sus obras rechazadas por el jurado del Salón de París oficial en un anexo al Salón oficial. Muchos críticos, y el público, ridiculizaron a los rechazados (refusés), que incluían pinturas tan famosas como el Desayuno sobre la hierba de Édouard Manet. En los años 1830, las galerías de arte de París ya montaban exposiciones privadas a pequeña escala de las obras rechazadas por los jurados del Salón.

     Rodin sufrió el rechazo y el escándalo (como sucedería a impresionistas y postimpresionistas), pero las reacciones adversas se convirtieron en su mayor aliado: le sacaron del anonimato. Sus excentricidades, en lugar de marginarle, dispararon la demanda de sus obras, y pronto tuvo que rodearse de ayudantes para satisfacer los encargos que le llegaban desde distintos puntos del globo.

OBRAS:

La puerta del Infierno, con la colaboración de la escultora francesa Camille Claudel,1​ entre 1880 y 1917.

http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas/la-puerta-del-infierno

El pensador, 1881:

http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas/el-pensador-0

INFLUENCIAS:

la Tumba de

Lorenzo de Médici de Miguel Ángel

El Moisés de Miguel Ángel, 1515.

La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Tal y como afirma un escritor, si este titán se levantara, el mundo se rompería en pedazos. Miguel Ángel lleva la cólera sagrada de Moisés hasta su punto más álgido. Sin embargo, la contiene, puesto que los pasionales seres del artista tienen prohibida la liberación de sus energías. Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Tiene cuatro elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con los pliegues de la ropa a modo de cueva. El aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada en sus barbas a modo de cascada. El fuego representados con esos "cuernos" (en pintura era fácil de representar, con una luz detrás del personaje, pero en escultura tuvo que emplear este artificio). La sangre fluye de manera contenida, parece que está a punto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se puede captar a través de su gesto y su mirada,podemos ver su pensamiento, es un trabajo psicológico muy estudiado.

El beso, 1882

http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas/el-beso

  "Soy Bella, ¡oh mortales!

como un sueño de piedra,

y mi seno que a todos

eternamente torturó,

ha sido creado para inspirar amor

eterno a los poetas". 

Charles Baudelaire.

La inspiración que ejerció el poeta Charles Baudelaire en la escultura de Rodin está patente en su obra. 

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https://www.lavanguardia.com/historiayvida/curiosidades-sobre-rodin-y-sus-obras_11839_102.htm
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http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas/la-catedral

https://www.youtube.com/watch?v=GWTQMlXU0-k

https://www.youtube.com/watch?v=8vDUNxCjqPg

Rodin descubre el Hôtel Biron en 1908. Era un antiguo palacete del siglo XVIII amenazado de demolición, El administrador encargado de la liquidación lo alquila entonces a bajo coste. El escultor decide instalarse aquí.

¿CÓMO SE COMPONE UN CUADRO? REGLAS - LEYES - DIBUJO - PINTURA - ESCULTURA - FOTOGRAFÍA. TER: la composición de las miniaturas de los vídeos de El Rubius

En este vídeo, Antonio García Villarán te hablará de cómo se compone una imagen, que puede ser un cuadro, un dibujo, una fotografía o cualquier otra variante. Te da claves, reglas y nociones basándose en el análisis de diferentes obras.

Magnífico vídeo de Ter donde analiza la composición de las miniaturas de los vídeos de El Rubius, las considera una auténtica obra maestra. Tanto es así que las compara con cuadros de Rubens, Jacques Louis David y Malevich. 

Etiquetes època de la taronja

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IES JM PARRA ALZIRA VIDEO PROMOCIONAL BAT ARTS PLÀSTIQUES 2020-2021

 

TER. Le Corbusier se inspiró en la industria del automóvil. Estructuras de Mike Schlaich.

En 1921 Le Corbusier publicó un artículo en el que exponía un concepto totalmente nuevo de vivienda. Para guardar concordancia con su tiempo, la casa debía ser una "máquina para vivir" y homologarse al resto de bienes que configuran la sociedad tecnológica. Con ello no defendía la estética ni el espíritu maquinista, sino que trataba de hacer una casa tan eficaz funcionalmente como lo eran las máquinas en las tareas para las que habían sido inventadas.

La vida moderna traía consigo una serie de exigencias cuya satisfacción era imposible encontrar en la pervivencia de la arquitectura tradicional; había por ello que adecuar la arquitectura a la civilización surgida de la revolución industrial:

 "...Nosotros gustamos del aire puro y del sol a raudales... -afirmó-. La casa es una máquina de vivir, baños, sol, agua caliente y fría, temperatura regulable a voluntad, conservación de los alimentos, higiene, belleza a través de proporciones convenientes. Un sillón es una máquina de sentarse... los lavabos son máquinas para lavar... El mundo de nuestro quehacer ha creado sus cosas: la ropa, la estilográfica, la cuchilla de afeitar, la máquina de escribir, el teléfono... la limusina, el barco de vapor y el avión."

Así, pues, era absolutamente necesario crear también una nueva arquitectura, y Le Corbusier la fundó en torno a cinco puntos básicos: 

utilización de pilotis (elementos de sustentación), jardines en el tejado, libre conformación de las plantas, ventanales continuos y libre formación de la fachada, todo ello dentro de un estricto orden geométrico como único generador de "volúmenes puros". Estas soluciones pasarían a ser las características fundamentales y paradigmáticas del racionalismo arquitectónico.

La utopía de Le Corbusier fue crear una nueva realidad urbana, una ciudad que fuera una síntesis entre naturaleza y desarrollo tecnológico.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/corbusier.htm

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Hoy me he colado en la fábrica de Ford de Valencia, en Almussafes, para enseñaros todos los procesos de fabricación en serie de los automóviles. LA FÁBRICA PARECE EL VIDEOJUEGO DEL PORTAL 2, así te lo digo. Está llena de robots increíbles que hacen unas coreografías preciosas para cortar, dar forma, soldar, montar, etc todas las piezas de un coche. La industria del coche (y Ford en particular) estuvo a la cabeza de los procesos de estandarización del siglo XX, e influyó muchísimo en la Arquitectura!!!! que hasta entonces estaba dormida en los laureles: las casas que se hacían todavía eran MUY poco prácticas (con ventanas de distintos tamaños, muros innecesariamente gruesos, tejados INNECESARIAMENTE inclinados, en fin. Un overkill brutal.) 

En su libro "Hacia una Arquitectura", Le Corbusier planteaba todas sus preocupaciones acerca de LA DESGANA con la que se construían las casas, y proponía inspirarse en la industria del automóvil para hacer diseños estandarizados y modulares. Él entiende la casa como "la máquina de habitar" y diseña la Maison Dom-Ino, que pretende construir en serie, con ventanas y puertas estandarizadas, muebles modulares, etc. O sea LO QUE A TI TE PARECE LO NORMAL??? pues eso. PERO ES QUE EN ESA ÉPOCA NO ERA NORMAL!!!!

La revolución que vivió la arquitectura en el siglo XX fue MINDDDBLOWINGGGG. Este vídeo está hecho en colaboración con Ford.

Cuando una estructura trabaja a tracción, si le das la vuelta es exactamente igual de estable, pero trabaja a compresión. En este principio se han basado arquitectos como Frei Otto para la construcción de cubiertas, e ingenieros como Mike Schlaich para diseñar un puente más fino que la cáscara de un huevo. Y todo eso ayudándose de una red de naranjas... 

Web de Schlaich-Bergermann Partners:

https://www.sbp.de/en/

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Los increíbles ARCOS de Gaudí:

 ¿Por qué tienen formas TAN RARAS?

FUNCIONALISMO: 5 puntos para una Nueva Arquitectura - Le Corbusier

En 1921 Le Corbusier publicó un artículo en el que exponía un concepto totalmente nuevo de vivienda. Para guardar concordancia con su tiempo, la casa debía ser una "máquina para vivir" y homologarse al resto de bienes que configuran la sociedad tecnológica. Con ello no defendía la estética ni el espíritu maquinista, sino que trataba de hacer una casa tan eficaz funcionalmente como lo eran las máquinas en las tareas para las que habían sido inventadas.

La vida moderna traía consigo una serie de exigencias cuya satisfacción era imposible encontrar en la pervivencia de la arquitectura tradicional; había por ello que adecuar la arquitectura a la civilización surgida de la revolución industrial. "Nosotros gustamos del aire puro y del sol a raudales... -afirmó-. La casa es una máquina de vivir, baños, sol, agua caliente y fría, temperatura regulable a voluntad, conservación de los alimentos, higiene, belleza a través de proporciones convenientes. Un sillón es una máquina de sentarse... los lavabos son máquinas para lavar... El mundo de nuestro quehacer ha creado sus cosas: la ropa, la estilográfica, la cuchilla de afeitar, la máquina de escribir, el teléfono... la limusina, el barco de vapor y el avión."

Así, pues, era absolutamente necesario crear también una nueva arquitectura, y Le Corbusier la fundó en torno a cinco puntos básicos: utilización de pilotis (elementos de sustentación), jardines en el tejado, libre conformación de las plantas, ventanales continuos y libre formación de la fachada, todo ello dentro de un estricto orden geométrico como único generador de "volúmenes puros". Estas soluciones pasarían a ser las características fundamentales y paradigmáticas del racionalismo arquitectónico.

La utopía de Le Corbusier fue crear una nueva realidad urbana, una ciudad que fuera una síntesis entre naturaleza y desarrollo tecnológico.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/corbusier.htm

EL FUNCIONALISMO:

En su libro "Hacia una Arquitectura", Le Corbusier planteaba todas sus preocupaciones acerca de LA DESGANA con la que se construían las casas, y proponía inspirarse en la industria del automóvil para hacer diseños estandarizados y modulares. Él entiende la casa como "la máquina de habitar" y diseña la Maison Dom-Ino, que pretende construir en serie, con ventanas y puertas estandarizadas, muebles modulares, etc. O sea LO QUE A TI TE PARECE LO NORMAL??? pues eso. PERO ES QUE EN ESA ÉPOCA NO ERA NORMAL!!!! 

La arquitectura en el siglo XX vivió una revolución... En este vídeo lo descubrimos todo.

Casa de la Cascada - Frank Lloyd Wright | ArquiDex

La arquitectura en la Bauhaus. 100 años de Bauhaus -Documental

http://fonart2.blogspot.com/search/label/B7.%20L%27%20ESCOLA%20DE%20LA%20BAUHAUS

Casa Farnsworth:

Historia del cartel: El Art Decó

Lana Del Rey - Art Deco (español)

ART DÉCO, LA VANGUARDIA Rechazada. EL SIGLO:'Comercios históricos de Valencia'

#artdeco #vanguardias #historiadelarte

     El Art Deco fue repudiado y expulsado de las grandes Vanguardias Históricas, por ser un arte lujoso de consumo fascinado por los objetos excesivos, tener un caracter anacrónico (propio o característico del pasado y sin embargo se da en la actualidad), ser ultra comercial y consumista, muy decorativo y muy inútil, no radicalmente nuevo y carente de agenda política y compromiso social. La Vanguardia pura se sentía incómoda con el proyecto de síntesis y fusión del Art Deco, que creaba objetos en serie absolutamente hedonistas (doctrina moral que establece la satisfacción como fin superior y fundamento de la vida) y frívolos (solo piensa en el aspecto divertido o lúdico de la vida y carece de seriedad) y por eso la Historia del Arte durante décadas la desprestigió como solo un estilo y jamás nombró al Art Deco como una Vanguardia más. 

El Siglo Valenciano, pionero de los grandes almacenes:

       Fundado en 1879 y situado en la calle de la Paz de Valencia, fue el primer establecimiento en concentrar una gran oferta textil en un inmenso edificio con ascensor, algo aún no visto en la ciudad.

    Valencia estaba repleta de pequeñas tiendas de barrio cuando llegaron los ecos de la Revolución Industrial. La apertura de bazares en los que se podía encontrar desde juguetes y menaje para el hogar hasta cristalería y piezas de arte supuso una bocanada de modernidad en el ocaso de aquel siglo. La recién inaugurada calle de la Paz, junto a San Vicente se afianzaban como eje comercial. Y en ese contexto, en 1879 se funda El Siglo Valenciano.

     El Siglo Valenciano se considera el primer gran almacén textil instalado en la ciudad. Comparable, salvando las distancias, a los majestuosos Fayette parisinos o los Harrods de Londres. Supuso una auténtica revolución. Unas galerías de tres pisos en las que se podía encontrar cualquier tejido de gran calidad, desde lanas, punto, telas estampadas y mantas hasta mantones de Manila y camisas. Género tanto para señoras como caballeros. Al por mayor y al por menor. Y con un trato personalizado que encandiló a las familias valencianas.

      El nuevo negocio, inmenso y con una oferta nunca vista, se instaló en un edificio en el que nada era aleatorio. De estructura metálica, contaba con un gran patio central al que daban todas las plantas diáfanas. En lo alto, una claraboya que dejaba entrar luz natural, unas amplias escaleras y el primer ascensor instalado en Valencia que favorecían el flujo de los clientes y la racionalización de los espacios.

'Comercios históricos de Valencia' :

http://epoca1.valenciaplaza.com/ver/144401/la-leyenda-de-los-comercios-historicos-de-valencia-o-la-burguesia-que-no-pudo-ser.html

ARTE ABSTRACTO

Constructivismo 1915–1935.

"Las calles son nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas…"

Vladímir Mayakovsky

El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites. Eso no significa en modo alguno el cese de la experimentación. Los constructivistas se centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica suprematista.

Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura…

Lo que había que hacer es llevar el suprematismo a las masas y que el arte trascendiera la ideología política. Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores y, así, quizás los espectadores de una obra nos olvidemos que estamos ante una representación, sino ante todo el universo reducido en un cuadrado. El suprematismo estaba muy bien, pero ¿era útil para el pueblo ruso, en su mayoría analfabeto?. La respuesta era evidente. Ni siquiera hoy en día entendemos de todo lo que querían decir esos místicos radicales experimentando con geometrías.

Revolución rusa, 1925

Alexander Rodchenko mezcla foto, geometría, ritmo, composición, diseño, publicidad, tipografía… y sin saberlo, crea el primer meme de la historia. El artista firma su obra en la esquina inferior derecha.

Alexander Ródchenko junto a Vladímir Mayakovski (poeta) creó la primera agencia de publicidad: «Mayakovski-Ródchenko Advertising-Constructor».

Juntos crearon más de 150 piezas publicitarias, packaging y todo tipo de innovadores diseños con eslóganes breves y muy directos, ideales para adoctrinar a millones de rusos (muchos de los cuales apenas sabían leer).

Es lo que se llamó constructivismo ruso, un arte al servicio de la revolución, que mezcla propaganda, arte, diseño, ingeniería, publicidad, etc… Un arte efervescente que permitiría la experimentación más enloquecida hasta que Stalin cortó por lo sano tanta libertad creativa. Este cartel es uno de los más conocidos del movimiento. Ródchenko retrata a «la musa de la Vanguardia Rusa», Lilia Brik con pañuelo de obrera y gritando bien alto: «¡LIBROS!». Nunca se había visto nada tan innovador y eficaz en publicidad, y este nuevo lenguaje se extiende por el mundo entero para «adoctrinar a las masas», de la España republicana a la Alemania nazi.

Tamara de Lempicka Polonia, 1898–1980.

Art Decó

Mujer ♀

LGBT

Tamara de Lempicka, nació como Maria Górska en Polonia y nunca le faltó el dinero. Emigrada en París surgen signos de debilidad económica y Tamara se ve obligada a pintar. En pocos años, su personalísima técnica y elegante estilo, además de sus contactos, la convierten en la pintora de moda. Toda la burguesía y la nobleza quieren uno de sus retratos, y Tamara se convierte en una extraordinaria retratista. Pronto puede volver a permitirse su despreocupado tren de vida. El desnudo y el retrato son sus principales géneros.

Tamara de Lempicka pintó en la época de entreguerras el glamour, la sofisticación, la elegancia y la modernidad… Lo que conocemos como Art-Decó:

Motivos geométricos, colores brillantes y ese estilo clásico, simétrico, rectilíneo, influenciado por movimientos como el cubismo, el futurismo, y o la Bauhaus.

https://www.youtube.com/watch?v=-JzV2zr02Fc

Tamara de Lempicka se convertiría en una de las cabezas visibles de este movimiento: sus retratos, desnudos y otras escenas son una ventana a la alta burguesía adinerada y la decadente aristocracia de entreguerras. Casi se percibe el perfume a Chanel y se puede sentir al Gran Gatsby (novela de 1925 que tiene como fondo a la alta sociedad norteamericana, en la que se desenvuelve un hombre misterioso e inmensamente rico: Gatsby entre lo underground y el lujo total.)

Grupo de cuatro desnudos de Lempicka.

Año: 1925.

Lempicka fue una convencida "ingresiana".

"Años 20: jazz, ley seca, charleston, gángsters, El Gran Gatsby, juergas sin fin…

También fueron los años del auge del Art Decó, con su estética elegante y futurista. Y de todos los artistas de esa época, la que mejor encarnó estos años locos fue la Sra. Tamara de Lempicka.

Lempicka era bisexual declarada. Nunca ocultó su gusto por hombres y mujeres, y en los años 20 pintó varios cuadros de desnudos femeninos como este, en los que se aprecia ese frenesí lésbico. Un ejemplo de que el sexo puede ser mostrado de forma muy elegante.

Las cuatro mujeres del lienzo son puro Art Decó, pero también 100% Lempicka. Son evidentes los rasgos andróginos (se aplica a la persona cuyos rasgos extremos no son los propios de su sexo), y la actitud de las cuatro parece de un éxtasis sensual, de placer que se transmite al espectador como placer estético.

También son reconocibles los clásicos desnudos monumentales de la autora, unos cuerpos casi geométricos en los que Tamara homenajea conscientemente al «Baño turco» de Ingres (1863, Neoclasicismo) y a las «Señoritas de Avignon» de Picasso.

La colega historiadora Laura Claridge cuenta que Tamara conoció en París a una modelo lesbiana con la que intimó. La mujer le presentó a sus amigas y con el tiempo, varias mujeres se reunían en el apartamento de la modelo donde el sexo se desencadenaba. Cuenta también que Lempicka ponía exquisita comida sobre el cuerpo desnudo de su amiga para su cena."

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Se forja entonces la leyenda de Tamara de Lempicka, increíblemente hermosa y moderna, amante del hedonismo (moral que establece la satisfacción como fin superior y fundamento de la vida), las fiestas, las orgías, la cocaína y la bisexualidad. Una vida que sirvió de inspiración para la mayoría de sus cuadros, que retrataban en gran parte, la fauna del París de la alta burguesía.

https://historia-arte.com/obras/lempicka-la-bella-rafaela
París, los locos años 20 (rtve).
Socoetat dels joves 18 anys: minuts 7'05''-9'36''
Arquitectura, electrodomèstics, dona i moda: minuts 11'00''-16'42'' 
Emigració d'americans buscant llibertat a París: minuts 31'06''-35'09''
Homosexualitat i festes desenfrenades: minuts 1h 6'10''- 1h9'30''

Autorretrato en un Bugatti verde.

Año: 1929.

"La artista polaca se pintó a sí misma para la portada de una revista de modas alemana, «Die Dame», que buscaban una imagen que representase a la mujer emancipada, a la mujer moderna. Lempicka se autorretrató conduciendo un lujoso Bugatti verde, mostrándose como una mujer con poder, con movilidad e independencia, sin necesidad de la presencia masculina (a no ser para uso propio).

Fijaos en la mirada de la artista… Automáticamente se convierte en el centro de atención, con esa actitud de femme fatale típica de los años 20. También tiene el toque garçonné, esa palabra francesa de moda en los años 20 para referirse a las «chicas solteras» que reivindicaban los derechos de la mujer y la igualdad de género adoptando una figura andrógina.

Así pues, Lempicka conduce su lujoso coche por la ciudad. Es independiente y atractiva. Viste elegantemente, como una estrella de cine, y por su bufanda debemos intuir que va a gran velocidad.

Un resumen perfecto de cómo fue su vida en esa mágica década".

Adán y Eva, 

Año:1932.

"Lempicka no sólo pinta con su característica manera estilizada, ecléctica y elegante, sino que ubica a la «primera pareja de humanos» en el mundo contemporáneo (los años 30), sustituyendo el jardín del Edén por la gran ciudad. Sin duda para una urbanita como ella, vivir entre esos rascacielos era el paraíso.

La relación entre la pareja desnuda de este cuadro es evidentemente sensual. Adán parece que va a morder a Eva más que a la manzana.

La producción de Lempicka está plagada de figuras desnudas… Parejas, orgías, escenas de amor, poses sensuales… Nada raro en una hedonista como ella, que vio y participó en más de una situación de esas.

Los cuerpos que pinta están pulidos y brillantes como esculturas, pero esculturas casi metalizadas, como la carrocería de un automóvil.

Y es que de eso se trata el art decó… mezclar elegantemente cubismo, futurismo, renacimiento y demás estilos hasta dar con el toque perfecto de decadencia, glamour y hedonismo.

Nótese que rara vez en la historia del arte se representó a Eva con las uñas y los labios pintados…"

Al estallar la II Guerra Mundial (1939), se marcha a los Estados Unidos, donde sigue teniendo éxito, quizás más como baronesa que como pintora, ya que la llama del art-decó se está apagando.

https://decategoriart.blogspot.com/search?q=art+deco

La Escuela de Chicago y su influencia en la arquitectura del siglo XX

La Escuela de Chicago y su influencia en la arquitectura del siglo XX

Metrópolis es una película muda alemana de 1927 del género de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang. Es considerada una de las grandes películas del cine expresionista alemán y de la historia del cine mundial.El guion fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de la misma Von Harbou. A Fritz Lang le gustaba recordar que la historia de Metrópolis nació en su viaje a Estados Unidos, en octubre de 1924, viendo desde su barco en la noche ante el puerto neoyorquino los rascacielos de la ciudad y las calles iluminadas.​ 

Calculando los costes actuales de realización, esta película supondría más de 39 millones de dólares, una de las más producciones más costosas de la historia del cine. Fritz Lang contó con una cantidad grande de extras, en concreto se utilizaron un total de 27.000 extras, se rodó en más de 310 días y 60 noches. 

LOS FELICES AÑOS 20 Y EL CRACK DEL 29

Feliços anys '20 fins el minut 2.

http://anacob3.blogspot.com/2013/04/la-economia-en-el-periodo-de.html

"Edna, acaba de dar a luz a un hijo no deseado. Con el dolor de su alma, decide dejar al niño dentro del elegante automóvil de cierta familia adinerada, junto a una nota en la que brevemente le pide que se haga cargo de su hijo. Pero unos delincuentes que roban el auto dejan al bebé abandonado en la esquina de un barrio marginal. Es allí donde lo encuentra un alegre, despreocupado e inocente vagabundo (interpretado por Charlie Chaplin), quien, si bien en varias ocasiones intenta deshacerse de semejante responsabilidad, se compadece de él y decide adoptarlo y asumir su crianza."

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*El primer país que otorgó el voto a la mujer fué Nueva Zelanda.........1893

*Canadá lo hizo en 1918

*Inglaterra lo hizo en 1918 (sólo podían votar las mayores de 30 años)

   (En Inglaterra el año 1921, ya podían votar las mayores de 21 años)

*Alemania lo hizo en 1919

*Estados Unidos lo hizo en 1920

*En España se consiguió en 1931, gracias a la II República.

Art Déco. Tamara Lempicka

Tamara de Lempicka. Polonia, 1898–1980.

La Escuela de Chicago y su influencia en la arquitectura del siglo XX