dissabte, 22 de desembre del 2018
dimarts, 18 de desembre del 2018
Vincent van Gogh (1853-1890).
Vincent van Gogh (1853-1890), fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. En 1885 (con 32 años) pintó la primera gran obra de su corta carrera, ya que murió a los 37 años de edad.
Esta obra tiene como título: Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos y terrosos.
La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia con la intención de formar allí, una colonia de artistas. Su fantasía era que los artistas vivieran juntos, en comunidad, y que pintaran y aprendieran los unos de los otros. Consiguió su plenitud durante su estancia en Arlés, son conocidas sus obras: El cuarto amarillo, Los girasoles, La noche estrellada. Allí convivió durante un tiempo con el pintor Paul Gauguin, pero sus distintas formas de pintar, las diferencias de carácter y las alteraciones mentales de Van Gogh terminaron en una relación tormentosa que acabó en tragedia cuando Van Gogh se secciona parte de la oreja.
https://www.huffingtonpost.es/2015/03/30/curiosidades-van-gogh_n_6293458.html
Diapo 43 obra analizada:
https://www.slideshare.net/ignaciosobron/define-el-concepto-de-postimpresionismo-y-especifica-las-aportaciones-de-czanne-y-van-gogh-como-precursores-de-las-grandes-corrientes-artsticas-del-siglo-xx
Diapo 43 obra analizada:
https://www.slideshare.net/ignaciosobron/define-el-concepto-de-postimpresionismo-y-especifica-las-aportaciones-de-czanne-y-van-gogh-como-precursores-de-las-grandes-corrientes-artsticas-del-siglo-xx
Es una de las obras más famosas del mundo, apreciada por décadas por sus formas sinuosas y azules profundos.
Pintado en 1889, la obra trata de las vistas nocturnas que tenía Van Gogh desde su habitación en el sanatorio mental de Saint-Remy, donde pasó los últimos años de su vida.
En segundo plano el pueblo, cuya tranquilidad y colores sombríos contrasta con la enérgica composición del cielo, donde sus voluptuosas texturas y trazos en espiral transmiten vivacidad y dinamismo. Se dice que Van Gogh expresaba así que la obra está centrada en el cielo y no en la tierra.
"La noche estrellada sobre el Ródano", 1888.
Vincent “sentía” los colores, tal y como ocurre en la “sinestesia”, como asociar un sabor a una música, y el amarillo representaba su mundo interior. Los sinestésicos perciben con frecuencia y de manera involuntaria correspondencias entre tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores o colores. La sinestesia es, en definitiva, la experimentación de dos sentidos que funcionan mezclándose entre ellos.
(Minut 10' blau i rosa nens&nenes, minut 12' sinestèsia)
Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872.
"El cuarto amarillo", 1888.
El viñedo rojo cerca de Arlés (La vigne rouge).1888 La estampa, como podemos ver en la siguiente imagen, recoge el momento de la vendimia en un atardecer otoñal que envuelve en tonos rojizos el viñedo. La idea es simple, no deja de ser una imagen que representa a las mujeres que trabajan en un viñedo. Vincent supo captar con la gracia casi infantil que le caracteriza una escena de la vida cotidiana de la Provenza. La brava coloración atrapa rapidamente la atención. Las mujeres, extenuadas de trabajo que supone recoger las uvas que crearan el vino, participan sin saberlo en una sinfonía de palpitante color.
Van Gogh utilizó colores cálidos, principalmente rojo y amarillo, con rayas de azules de la ropa de las mujeres, y los árboles que bordean la imagen. El rojo recuerda lejanamente a la tonalidad de un buen Pinot Noir. Sin embargo, a pesar de que el esquema de color se basa principalmente tonos cálidos, se trata de una imagen ciertamente discordante, como el color amarillo mostrando toques de verde, y el azul colocándose justo al lado del rojo. La pincelada, entrecortada, sigue un patrón ondulado. La sensación es poco organizada: no es una simple ilustración de un paisaje, debemos abordarla entendiendo las emociones del artista. Más allá del paisaje también podemos intentar ver el propio estado mental de Van Gogh. La iluminación de la imagen es muy surrealista, alejado de la realidad, muy poco natural. Sin embargo, la colocación de los objetos y la escena representada es muy realista, de tal manera que, combinado con el efecto surrealistas de la luz, da al espectador una visión muy disonante, chocando contra él y confundiéndolo.
“Más vale ser atrevido aunque se cometan muchos errores que ser estrecho de mente y demasiado prudente”, consideraba Vincent. El mundo de la pintura académica, sin embargo, se escandalizó. Para ellos un desprecio flagrante de la realidad era igual a una blasfemia. La obra de Van Gogh no pudo ser apreciada en su época, ya que no pudieron percibir su valor estético intrínseco. Digamos que la sociedad no estaba preparada para algo así. Esto es tremendamente habitual cuando hablamos de verdaderos genios, aquellos que ven las cosas de forma diferente, ofendiendo a los que se usan las viejas costumbres.
Reflexión crítica sobre la obra de Vincent van Gogh, al que considero el peor de los pintores impresionistas, comparándolo con Toulouse-Lautrec, Paul Sicnac o Cezanne entre otros.
Alfred Sisley (1839 - 1899).
Alfred Sisley (1839 - 1899). Pintor anglo-francés. Sus primeras influencias artísticas provinieron de los paisajistas ingleses y de la Escuela de Barbizon (conjunto de pintores paisajistas). Luego tuvo estrecha relación con Claude Monet y otros impresionistas. De esta escuela, aunque no muy conocido en vida, fue uno de sus pintores más característicos por su temática y por su estilo: efectos de luz en paisajes (especialmente acuáticos), pincelada muy suelta y colores agradables. Pintó principalmente la naturaleza de los alrededores de París.
Su padre, William Sisley, comerciante rico, deseaba que continuase con sus negocios, y lo envió a Inglaterra entre 1857 y 1861 para que estudiase el idioma. Sin embargo, al volver se interesó por el arte y con permiso paterno entró en 1862 en el taller del pintor Charles Gleyle. Allí conoció a Claude Monet y Auguste Renoir, ninguno de ellos gustó del concepto de paisaje de su Sisley, y en 1862 lo abandonaron y se trasladaron al pueblo de Chailly-en-Bière (cerca del bosque de Fonainebleau) para pintar al aire libre.
Bajo la influencia de la Escuela de Barbizon (conjunto de pintores paisajistas), Sisley realizó numerosos paisajes de colores suaves, matizados mediante luces y sombras, con el objetivo de captar la atmósfera de la naturaleza. En 1866 presentó en el Salón de París dos cuadros, uno de los cuales era Camino de castaños en la Celle-Saint-Cloud, de 1865:
Alfred Sisley Church in Moret: La iglesia fue pintada por el artista en 12 ocasiones, más o menos desde el mismo ángulo, en diferentes épocas del año, diferentes horas del día y en diferentes condiciones climáticas, dando como resultado una iglesia totalmente distinta, por lo menos en lo que a luz se refiere. Y como bien sabemos, la luz era la herramienta principal de los impresionistas. Estos experimentos lumínicos eran muy típicos del grupo impresionista, y el más famoso fue Monet, que intentó capturar la luz cambiante en la fachada de la catedral de Rouen más o menos durante estos años.
Pero mientras Monet fue desestructurando la catedral sin piedad para explorar todas sus vibraciones cromáticas, Sisley muestra un profundo respeto por las cualidades arquitectónicas de la iglesia que tenía al lado de su casa y se ve en el análisis de los volúmenes que hace el pintor, y también en el detallismo que demuestra.
Las variaciones de color de este lienzo en concreto son respuestas racionales a lo que realmente ven sus ojos, no esos espejismos borrosos de Monet. Aunque tanto el uno como el otro artista son considerados los impresionistas «más puros».
Pero mientras Monet fue desestructurando la catedral sin piedad para explorar todas sus vibraciones cromáticas, Sisley muestra un profundo respeto por las cualidades arquitectónicas de la iglesia que tenía al lado de su casa y se ve en el análisis de los volúmenes que hace el pintor, y también en el detallismo que demuestra.
Las variaciones de color de este lienzo en concreto son respuestas racionales a lo que realmente ven sus ojos, no esos espejismos borrosos de Monet. Aunque tanto el uno como el otro artista son considerados los impresionistas «más puros».
Su padre, William Sisley, comerciante rico, deseaba que continuase con sus negocios, y lo envió a Inglaterra entre 1857 y 1861 para que estudiase el idioma. Sin embargo, al volver se interesó por el arte y con permiso paterno entró en 1862 en el taller del pintor Charles Gleyle. Allí conoció a Claude Monet y Auguste Renoir, ninguno de ellos gustó del concepto de paisaje de su Sisley, y en 1862 lo abandonaron y se trasladaron al pueblo de Chailly-en-Bière (cerca del bosque de Fonainebleau) para pintar al aire libre.
Bajo la influencia de la Escuela de Barbizon (conjunto de pintores paisajistas), Sisley realizó numerosos paisajes de colores suaves, matizados mediante luces y sombras, con el objetivo de captar la atmósfera de la naturaleza. En 1866 presentó en el Salón de París dos cuadros, uno de los cuales era Camino de castaños en la Celle-Saint-Cloud, de 1865:
Nieve en Louveciennes
Alfred Sisley, 1878
Alfred Sisley, 1878
La paleta de Sisley se ha reducido al mínimo para retratar la nevada. El cielo está dominado por el gris, y la nieve por el blanco. El punto de atención al que la composición dirige la vista del espectador es la pequeña figura negra del personaje del fondo.
Inundación en Port-Marly
Alfred Sisley, 1876
La pincelada que emplea Sisley es diluida, en consonancia con la intención del artista para crear una atmósfera transparente y luminosidad difusa. La factura de las nubes, con una variedad de luces y sombras, recuerda a las de Eugène Boudin que fué uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre:
Alfred Sisley, 1876
La pincelada que emplea Sisley es diluida, en consonancia con la intención del artista para crear una atmósfera transparente y luminosidad difusa. La factura de las nubes, con una variedad de luces y sombras, recuerda a las de Eugène Boudin que fué uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre:
Boudin, Eugène | Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Museo Thyssen-Bornemisza
Étretat. El acantilado de Aval
diumenge, 16 de desembre del 2018
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Royal Bliss, complicarse la vida es maravilloso - Anuncios Publicidad España 2017
Royal Bliss: La historia de un sorbo.
dissabte, 15 de desembre del 2018
diumenge, 9 de desembre del 2018
"Barcelona" canción interpretada por Freddie Mercury y Montserrat Caballé.
"Barcelona" canción interpretada por el cantante de Queen, Freddie Mercury, y la soprano española de ópera Montserrat Caballé. La letra y música fueron en su totalidad creadas por Mercury.
En marzo de 1987, Freddie voló a Barcelona para conocer a Montserrat. Freddie le mostró la canción en una cinta de casete. A la cantante le gustó tanto, que ella y Freddie acordaron empezar a trabajar con la canción para un álbum que grabarían juntos.
A finales de mayo Freddie había aceptado ser un invitado de honor y clausurar el evento con Montserrat cantando la canción. Más tarde, el Comité Olímpico Español decidió que el single fuera el himno oficial para los Juegos Olímpicos 1992.
En 1987, en su versión original, la canción alcanzó el puesto n.º 8 en el Reino Unido, y en 1992, tras ser utilizada la canción como himno de los Juegos Olímpicos, subió al segundo puesto.
Freddie pisó un escenario junto a Caballé por primera vez en el Ku Club de Ibiza en 1987. Años más tarde, Monserrat Caballé lo interpretó en la final de la UEFA Champions League de 1999, disputada en el Camp Nou.
Cantaron la canción «Barcelona», junto con otras dos canciones del álbum que todavía no habían sido editadas, «The Golden Boy» y «How Can I Go On»:
En marzo de 1987, Freddie voló a Barcelona para conocer a Montserrat. Freddie le mostró la canción en una cinta de casete. A la cantante le gustó tanto, que ella y Freddie acordaron empezar a trabajar con la canción para un álbum que grabarían juntos.
A finales de mayo Freddie había aceptado ser un invitado de honor y clausurar el evento con Montserrat cantando la canción. Más tarde, el Comité Olímpico Español decidió que el single fuera el himno oficial para los Juegos Olímpicos 1992.
En 1987, en su versión original, la canción alcanzó el puesto n.º 8 en el Reino Unido, y en 1992, tras ser utilizada la canción como himno de los Juegos Olímpicos, subió al segundo puesto.
Freddie pisó un escenario junto a Caballé por primera vez en el Ku Club de Ibiza en 1987. Años más tarde, Monserrat Caballé lo interpretó en la final de la UEFA Champions League de 1999, disputada en el Camp Nou.
«Barcelona»
divendres, 30 de novembre del 2018
dimarts, 27 de novembre del 2018
MiniCool: las diseñadoras valencianas que están influyendo en la moda infantil de medio mundo
En apenas cinco años, el equipo comandado por Judith Martinez y Amelia Arroquia se ha posicionado en el competitivo mercado de los libros de tendencias. Inician 2018 con ventas en 31 países como paradigma de empresa surgida de la crisis, sustentada en la internacionalización y basada en el valor añadido del diseño.
Jaume Altozano: La Música de Interstellar: Un Mite de Soroll i Silenci. Los secretos de la música de Dark Souls.
La banda sonora d'Interstellar és plena de missatges i simbologia. Parla de l'espai i del temps, i del lloc de l'ésser humà en tot això. De què significa ser pare i què significa ser un heroi.
¿Cómo juega la música de Dark Souls con tu mente? ¿Por qué han elegido poner música sólo en ciertos sitios? ¿Cómo se relacionan las notas del santuario de enlace de fuego con el tema de Gwyn? ¿Qué pistas hay escondidas en esta banda sonora?
Más comentarios de Jaime altozano:
Vídeos de Dark Souls imprescindibles: ╞ Outconsumer y Loulogio se lo pasan: https://youtu.be/KNslH-chfFc ╞ Dayo lo analiza: https://youtu.be/TQduIFsPMtA ╞ Muzska dice que no es difícil: https://youtu.be/jSUqjRPGh8w ╞ VaatiVidya te lo explica: https://youtu.be/Ag60ZF-IdKk ╞ El clip que he cogido de Dayo hablando de la disonancia ludonarrativa es de aquí: https://youtu.be/CVgeq3PdTF8?t=618 El Dark Souls es uno de mis videojuegos preferidos y llevaba mucho tiempo queriendo hablar de su banda sonora. Algunas cosas las había comentado en alguna entrevista pero no había ordenado y profundizado las ideas hasta aquí. Espero que os guste. Nota: No he hecho memes de praise the sun y además digo todo el vídeo "vacío" y parece que en la comunidad española "hollow" se tradujo como "hueco", pero por lo demás estoy contento con el resultado. 😅 ♫ ANÁLISIS DE OTRAS BANDAS SONORAS ♫ ╞ EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: https://youtu.be/y5LLHZf9ebU ╞ STAR WARS: https://youtu.be/VEVIAF_2tUM ╞ INTERSTELLAR: https://youtu.be/2LyEpA4B9_o ╞ JUEGO DE TRONOS: https://youtu.be/yAnpUWKlSX4 ╞ YOUR NAME (y 10 animes más): https://youtu.be/WYkT_5jT0yU ~~~~~~~MÁS VÍDEOS MÍOS~~~~~~~ ♫ CÓMO COMPONGO Y GRABO CANCIONES ♫ ╞ LA VERDAD SOBRE EL POP Y EL AUTOTUNE: https://youtu.be/ySa67e0jKNA ╞ COMO COMPONER UNA CANCION: https://youtu.be/7FSAG-UpAS8 ╞ COMO SONAR A HANS ZIMMER: https://youtu.be/ka-yIPOKups ╞ COMO PLAGIAR SIN QUE TE PILLEN: https://youtu.be/F_0Xza4I6k4 RANDOM/PERSONAL: ╞ MI HORRIBLE EXPERIENCIA EN EL SISTEMA EDUCATIVO: https://youtu.be/ny61lc2xiZk ╞ 50 COSAS MUSICALES QUE ME FLIPAN: https://youtu.be/-EUgZFRYiWo ╞ ESTAMOS JUNTOS: https://youtu.be/FMb31WD4wG0 ╞ EL COPYRIGHT EN YOUTUBE: https://youtu.be/4xJw0JIC2BA ╞ EL FUTURO DE ESTE CANAL: https://youtu.be/Y8S2B8R_cic ♫ ANÁLISIS DE CANCIONES ♫ ╞ DE FINAL FANTASY A PINK FLOYD: https://youtu.be/ImzvvrrFgz4 ╞ EL PLAGIO DE LANA DEL REY A RADIOHEAD: https://youtu.be/bvUxVEXgI4c ╞ EUROVISIÓN ESPAÑA: https://youtu.be/J15aup_BMEs ╞ COMO APLAUDIR A JUSTIN BIEBER: https://youtu.be/SjJxG6L3_fQ ╞ EL HIMNO DE ESPAÑA: https://youtu.be/6NlSpDcdFSQ ♫ MUSICA CLASICA ♫ ╞ CÓMO BACH PREDIJO LA TRAMA DE LOS MISERABLES: https://youtu.be/4GkdTTXdXsk ╞ DE POKEMON A BACH: UNA HISTORIA DE VOCES: https://youtu.be/Mr8ICnGutYM ╞ MÚSICA SIMPLE Y COMPLEJA Y EL CULO DE MOZART: https://youtu.be/jliAUPj0Gko ╞ OPERA DE LA BOHÈME: https://youtu.be/EOuzorVcX5M ♫ APRENDE TEORÍA MUSICAL ♫ ╞ TUTORIAL DE ARMONÍA Y ACORDES: https://youtu.be/GUEUlw3rDEc ╞ COMO LEER PARTITURAS: https://youtu.be/JLpELpY1r0s ╞ COMO MEDIMOS EL RITMO: https://youtu.be/faBivRMi2LY ╞ TIPOS DE ESCALAS: https://youtu.be/OdYIS8KXdFI ╞ INTERVALOS: https://youtu.be/KbIRXKP6GfY ╞ ACORDES: https://youtu.be/YDX4xULlkwc ╞ TONALIDADES: https://youtu.be/o6aOC3rERF0 ♫ APRENDE PRODUCCIÓN MUSICAL ♫ ╞ CALIDAD DE ESTUDIO CON UN MICRO DE 20€: https://youtu.be/OBHkaXevhBc ╞ CALIDAD DE ESTUDIO CON UNA TARJETA DE 30€: https://youtu.be/4Wp8X7MvGB0 ╞ GRABAMOS UNA CANCIÓN DESDE CERO CON UN PROGRAMA GRATUITO: https://youtu.be/BacNrKKPMsE _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ PATREON: Si quieres ayudarme a seguir creando vídeos que te hagan entender la música de otra manera puedes convertirte en un Jinete del Reino, en un Sabio del Consejo, o en un miembro de la Guardia de la Noche, cada uno con distintas ventajas, como elegir de qué hago uno de mis vídeos al mes y directos exclusivos. Todo eso aquí: https://www.patreon.com/jaimealtozano _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ SÍGUEME EN REDES Twitter: https://twitter.com/jaimealtozano Instagram: https://www.instagram.com/jaimealtozano/ Facebook: https://www.facebook.com/JaimeAltozan... Página Web: http://www.jaimealtozano.com _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ MUSICA: La música que utilizo de fondo en mis vídeos es de Epidemic Sound. Tenéis el primer mes gratis aquí: http://share.epidemicsound.com/Altozanodilluns, 26 de novembre del 2018
Claude Monet (1840-1926): IMPRESIÓN, SOL NACIENTE. Serie de La Catedral de Rouen.
En este vídeo te explico:
Porqué la ola de Hokusai es tan famosa en el mundo entero.
El viejo loco de la pintura. Vida y obra de Katsushika Hokusai
Claude Monet (1840-1926) fue un pintor francés, uno de los creadores del impresionismo. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación.
El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1873). Su obra Impresión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. El lienzo motivó que el periodista Louis Leroy escribiera un artículo burlón en el que definía a aquellos pintores como “impresionistas”, término que caracterizó al nuevo grupo. La reacción de Leroy fue comprensible porque la pintura de Monet violaba numerosas convenciones artísticas de la academia.
Impresión, sol naciente: Claude Monet, 1873.
* Óleo sobre lienzo. Medidas:48 x 63 cms.
Sol naciente fue pintado por Monet durante una breve estancia en El Havre en 1873. La obra se realizó desde una ventana frente al muelle de El Havre, a través de la cual Monet pintó con brío la ciudad moderna.
http://fonart2.blogspot.com/search/label/B3.4.%20CLAUDE%20MONET%20I%20AUGUSTE%20RENOIR
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Preocupación por el efecto cambiante de la luz sobre la superficie de
los objetos de la naturaleza, sobre todo, en movimiento (agua).
-Estudio de los efectos de la luz sobre los objetos de un modo
científico. La técnica es, en gran medida, el resultado del propósito impresionista de captar un momento fugaz al aire libre.
- Representación de las sombras con multitud de matices de color que incluyen los complementarios del objeto que la proyecta.
- Análisis del color de la naturaleza bajo la luz cambiante.
- Estudio de la composición de los colores.
-Subjetividad del artista y del espectador que es quien mezcla las pinceladas en la retina. Pincelada fragmentada y yuxtaposición de colores puros.
- Temas de la vida cotidiana pintados al natural en un instante.
-Ciertamente, la obra parece un esbozo debido a que su pincelada suelta no define lo que representa.
El cuadro es una cascada de pinceladas sueltas que dan cierta sensación de instantánea improvisación.
Al
artista no le interesa el detalle, como así se aprecia en las barcas
negras o en los fondos resueltos con nerviosos trazos grises, sino el
instante de una escena en concreto.
La
sensación de movimiento acuoso se consigue de forma magistral mediante
la discontinua plasmación de las pinceladas en la superficie y el
reflejo anaranjado solar que evita en todo momento una proyección
estrictamente lineal.
Impresión,
sol naciente es una obra calculada que muestra un enorme interés por la
llamada teoría del color. Si bien parece que el sol horada la neblina
matutina a causa de su intenso color naranja, en realidad posee la misma
luminosidad de su entorno.
Sincero,
directo y completamente desintelectualizado, Monet cae cautivo en el
inmenso espectáculo de la naturaleza, su visión se va a agudizar hasta
extremos verdaderamente imprevisibles, percibiendo sus ojos antes que
nadie los efectos de los rayos solares sobre todos los elementos del
paisaje. Espontáneo y natural a la vez, Monet va a saber conciliar
perfectamente este aspecto mutante de lo natural con lo que su propia
visión le está transmitiendo.
Paulatinamente, Monet ahonda directamente en la naturaleza.
Consciente de esta realidad, Monet elige como tema capital de su obra la luz y mayormente a través de sus reflejos sobre el agua.
Consciente de esta realidad, Monet elige como tema capital de su obra la luz y mayormente a través de sus reflejos sobre el agua.
Para ello, incluso se hizo construir un pequeño barco-estudio con el que va a recorrer continuamente las orillas del Sena tratando de reflejar ese mismo hecho de inestabilidades y de realidades eternas que constituyen la misma esencia del agua.
" yo siempre he observado únicamente lo que el mundo me mostraba, Para dar testimonio de ello en mi pintura". "El clímax del impresionismo" . Así se ha descrito la serie de vistas de La Catedral de Rouen llevada a cabo por Claude Monet entre 1892 y 1894. La serie -consistente en 31 lienzos que muestran la fachada de la catedral gótica de Rouen bajo distintas condiciones de luz y clima- provocó una admiración inmediata entre la crítica de su tiempo, y fue alabada por muchos maestros posteriores, desde Wassily Kandinsky hasta Roy Lichtenstein.
En los lienzos de La Catedral de Rouen , el auténtico objeto no es ya el modelo arquitectónico, al que Monet en cierto sentido "desprecia" al representarlo desde un punto de vista cercano en exceso, de tal forma que la arquitectura, debido a la casi ausencia de perspectiva, pierde su grandiosidad y queda incluso seccionada en las torres y pináculos: el edificio no es más que un fondo, una excusa , para mostrar al auténtico protagonista de la composición: la capacidad de la pintura de representar la cualidad dinámica de la luz y el ambiente, que es capaz de dar vida a algo tan pétreo e inanimado como la imponente fachada de la catedral gótica.
Incapaz -por supuesto- de representar en un lienzo completo un cada fugaz instante, Monet trabajaba en ocasiones simultáneamente con varios lienzos, volcándose en uno en concreto cada vez que las condiciones de luz y ambiente se parecían a la del cuadro en cuestión. Imaginemos por un instante la situación: Claude Monet, instalado frente a la ventana de un segundo piso frente a la Catedral, trabajando frenéticamente con decenas de lienzos, a merced de que una nube pasajera, un fugaz rayo de sol, una niebla matinal le obligara a buscar -si es que existía- el cuadro en el que pudiera centrarse. Por supuesto, tal tarea debía resultar desesperante, y el propio pintor está a punto de abandonar su empresa. Pero no era Monet una persona que se rindiera fácilmente: " Más que nunca aborrezco las cosas que salen bien al primer intento". Monet llega incluso a concluir varios de los lienzos en su taller, fiándose de su portentosa memoria visual. Pero dos años después, la misión estaba cumplida, y Monet poseía ya tres decenas de capturas pictóricas de la Catedral. Así , y por primera vez en la historia de la pintura, se había logrado representar la cuarta dimensión, el tiempo, un logro reivindicado -sin embargo- por numerosas vanguardias varias décadas posteriores al maestro francés.
Al contrario que con otras audaces empresas impresionistas, las Catedrales de Monet gozaron de una aceptación inmediata entre la crítica y el público. " Monet hace que hasta las piedras cobren vida" , declara el escritor Georges Clemenceau. En mayo de 1895 Monet seleccionó 20 lienzos para formar una exposición organizada por su amigo y galerista Durand-Ruel. Pese al elevado precio de cada una de las vistas -entre 12,000 y 15,000 francos- el éxito fue rotundo. Más de un siglo después, el éxito no ha abandonado a Monet: en mayo del año 2000, Sotheby's subastó una vista de La Catedral (Le portail, soleil) por más de 24 millones de dólares.
Evidentemente, entre los 31 lienzos hay más diferencias que las debidas a las distintas condiciones de luz y ambiente. Monet eligió en total cinco puntos de vista diferentes -dos desde la plaza y tres desde diferentes habitaciones frente al edificio- representando el portal de la Catedral (frontalmente o con el punto de vista ligeramente más desplazado hacia la derecha), o el portal y la torre d'Albane (a la izquierda del portal), pero siempre conservando ese punto de vista inusualmente cercano. La elección de la paleta refleja los distintos tonos con los que la luz del día iba tiñendo la fachada de la Catedral : de unos suaves azules para los lienzos creados por la mañana se pasa a unos vivos tonos ocres y dorados para los cuadros "a pleno sol" y castaños y grises para los días nublados.
Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.
A partir de 1882 se distancia del grupo impresionista y alquila una casa en Giverny. Viaja por los P. Bajos, Bretaña, Londres, Mediterráneo. A partir de 1890 vive definitivamente en Giverny (compra la casa). Pinta su famosa serie obre la catedral de Rouen a diferentes horas del día y repite una y otra vez hasta su muerte cuadros de los nenúfares que veía cerca de su casa. Apasionado de la jardinería y de las variaciones de color, concibió su jardín de flores, árboles frutales y su jardín de agua como obras artísticas. El artista pintor y jardinero Claude Monet vivió aquí 43 años, de 1883 hasta su muerte en 1926, con sus 8 hijos.
En sus últimos cuadros se produce un proceso de abstracción que influirá en la pintura abstracta posterior.
Su pintura se concreta en tres aspectos básicos:
La atmósfera, la intensidad lumínica y los reflejos acuosos.
Video de 52 minutos:
Sinopsis del contenido:
Guiados por el lema “Peindre d’après nature”, artistas como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro o Vincent Van Gogh abandonaron el taller para salir al aire libre y capturar en el lienzo “el instante”. Este documental profundiza en la revolución artística del siglo XIX a través de la vida y la obra de uno de sus más célebres representantes: Claude Monet (1840-1926). Desde sus primeros paisajes hasta la abstracción de sus célebres Ninfeas y Nenúfares, un análisis de la representación de la luz y del espacio en los cuadros del genial pintor francés, pionero del arte moderno.
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