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Antonio García Villarán, ¿Qué es la Tinta China? Arte y Creatividad. Curso online.
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dilluns, 14 de gener del 2019
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dimarts, 1 de gener del 2019
dijous, 27 de desembre del 2018
Alphonse Mucha. El ARTE del cartelismo.
Alfons o Alphonse Mucha (1860-1939). Polifacético artista, pintor, decorador y cartelista nacido en la ciudad morava de Ivancice (Imperio austríaco). Es considerado uno de los mayores representantes del Art Nouveau, pionero del merchandising y precursor de la publicidad moderna. Creó un estilo propio caracterizado por utilizar formatos muy verticales y composiciones cuidadosamente elaboradas que vienen enmarcadas por elementos geométricos de origen oriental y bizantino (columnas, arcos…). Utilizaba elementos naturales y orgánicos que le ayudaban a equilibrar tensiones mediante lineas y formas curvas y dotan de un aspecto exótico y exuberante a la obra. Crea atmósferas de gran misterio repletas de elementos teatrales y alegóricos.
Es habitual la utilización de la figura femenina que actúa a modo de reclamo publicitario, estas icónicas mujeres son generalmente jóvenes seductoras de larga melena y sofisticadas vestimentas que ejercen un gran poder de atracción sobre el espectador. Como contrapunto Alphonse Mucha siempre destacó la importancia espiritual de sus obras sientiéndose frustrado por la fama que logró a través del arte comercial, defendía el arte como inspiración.
Gismonda (1894).
FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN
Sarah Bernhardt, actriz principal de Gismonda, no estaba conforme con el cartel que se usaba para publicitar la obra. Llamó, la tarde de Noche Buena, a la imprenta donde trabajaba Mucha (se encargaba de revisar bocetos) y les pidió que le realizaran un nuevo póster para antes de Año Nuevo. Le cedieron el encargo a Mucha, quién realizó una obra radicalmente nueva y rompedora hasta el momento y que sorprendió a toda la ciudad de París. Esta primera obra de Mucha influenció en gran medida las nueves corrientes que nacían y catapultó al artista a la fama, convirtiéndose dicho cartel en pieza de coleccionista de inmediato. También firmó un contrato para seis años con Bernhardt e hizo un total de 9 carteles más para ella.
Se considera una de las primeras obras representantes del Art Nouveau naciente, por su estilo rompedor y porque creó escuela (durante mucho tiempo se denominó Mucha Style, antes de denominarse “nuevo arte”). El impacto del cartel de “Gismonda” fue, pues, enorme. Tal como se aprecia en la imagen, la figura de Gismonda es representada con las características típicas del Art Nouveau: figura femenina muy estilizada, haciendo uso de las curvas y las ondas, de ornamentos naturales como flores y las palmas. El vestuario de la chica recuerda a un kimono oriental, pues esta corriente se inspiró mucho en el arte asiático. Además, está pintado a modo de mosaico y a escala real de la modelo.
REFLEXIÓN SOBRE LA PIEZA
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| Cartel inicial para "Gismonda" (1894) |
La primera obra de Mucha fue la que abrió las puertas del Art Nouveau e hizo que creciera su popularidad. Este cartel, pues, fue un empujón final hacia la creación del nuevo estilo. Como se ve en el original de Gismonda, ya se apuntaba hacia este uso de las formas orgánicas y naturales pero se mantenía un estilo realista, en cambio Mucha rompió con esa concepción. El modo de representación de las figuras es totalmente nuevo y nunca visto, y a pesar de representar unas escenas estilizadas e irreales su belleza y equilibrio es magnífico, dotando de ese sentido que tanto se buscó en la época de realizar un arte bello pero asequible.
Georges Braque
Picasso y Braque explican el Cubismo:
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Instrumentos musicales, 1908. Óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm.
Casas en L’Estaque, 1907. Óleo sobre lienzo, 54,6 x 46 cms.
Uno de los mejores cuadros que expresan la influencia de Cezanne en su obra, realizado en el otoño de 1907, poco después de haber admirado la exposición retrospectiva del anterior. Braque insiste en crear formas geométricas afiladas, recortadas por líneas rectas en cuyo interior emplea gradaciones progresivas de escasos colores y muy aplanados. El espacio que crea es inaccesible. Como Cézanne, Braque deja áreas de lienzo sin pintar.
Los paisajes geometrizados de L´Estaque marcan los inicios oficiales del cubismo al ser descritos por Matisse como cuadros hechos a base de pequeños cubos, comparación que inspiró al crítico Louis Vauxcelles para bautizar el nuevo estilo artístico con el nombre de cubismo.
El rigor geométrico en el análisis de la naturaleza les lleva a anular todo elemento subjetivo en el cuadro. Por ello, hay momentos en que es casi imposible distinguir un lienzo de Picasso de otro de Braque. Veamos por ejemplo estos dos paisajes que se comparan a continuación. Sólo la pincelada y una evolución hacia un sentido aún más cúbico y plano del segundo grupo de casas, por ser pintado sólo un año más tarde, nos sirve para distinguir las etapas, más que a los artistas.
El gran desnudo, 1907-08. Óleo sobre lienzo, 140 x 100 cm.
Este cuadro evoca a la vez «Las bañistas» de Cezanne y «Las señoritas de Aviñón» de Picasso, pero también hay algo todavía del color de Matisse.
En este lenguaje pictórico de clara influencia de Cezanne y de Picasso, Braque evoluciona decididamente entre 1908 y 1909 hacia lo que los críticos calificarían como el cubismo. Abandona totalmente el concepto tradicional del espacio y construye sus obras por medio de grandes planos geométricos.
Durante los primeros meses del año 1908 Picasso y Braque se veían prácticamente todos los días e intercambiaban opiniones sobre cuestiones artísticas. Picasso recordaba: "casi todas las tardes o bien iba yo al estudio de Braque o bien él venía al mío. Sencillamente, cada uno de nosotros tenía que ver lo que el otro había hecho durante el día". La estrecha relación entre ambos pintores dio lugar a que, prescindiendo de los encargos, los temas elegidos para los cuadros fueran idénticos.
Como podemos comprobar los instrumentos de música fueron un motivo de inspiración para el artista porque gustaba especialmente de ellos, los tocaba y los coleccionaba en su propio taller. Georges Braques aparece tocando el bandeón en su estudio de la Rue Caulaincourt, Paris, en 1911. Muchos de los objetos que aparecen se pueden ver en las pinturas cubistas de este período.
Braque es junto con Pablo Picasso el iniciador del cubismo a principios del siglo XX y conviene conocer cuales son sus aportaciones en sus diferentes vertientes, tanto el cubismo analítico, como el cubismo sintético. Menos conocido que Picasso aparece como una figura crucial en el arte del siglo XX:
Juan Gris y el cubismo.
Juan Gris nació en la ciudad de Madrid en el año 1887 y desde muy pequeño ya demostró una gran habilidad y vocación por la pintura. El año 1906 fue clave en su vida y es que la muerte de su padre, el querer huir del servicio militar y el deseo de comenzar su carrera artística, lo hacen marcharse a París. Ese mismo año, conoce Picasso y lo conoce investigando en la creación de un nuevo estilo, el que posteriormente sería el cubismo. Picasso, fue digamos quién acabó metiendo a Juan Gris en el ambiente intelectual, artístico y de marchantes de obras de arte, entablando amistad con otros pintores como lo fueron George Braque o Fernand Léger.
Aunque los primeros años (1906 – 1911) de Juan Gris fueron relativamente inestables en el sentido artístico pues, para sobrevivir en un principio se tuvo que dedicar a la ilustración para diferentes revistas y periódicos, poco a poco, se fue introduciendo en el tema de la pintura aplicando esa nueva experiencia cubista en la que Picasso le adentró, de cómo representar objetos que desde un único plano fueron vistos diferentes puntos de vista. Y así, y de manera continua veremos cómo su obra evolucionará hacia esa primera fase cubista, el cubismo analítico, en cuya paleta cromática predominaban las tonalidades grisáceas y ocres.
El año 1912, en ese nuevo intento de dar un paso más allá dentro del cubismo, en una segunda fase, conocida como el cubismo sintético, será cuando Juan Gris se encuentre especialmente cómodo, gracias a la introducción de nuevas técnicas como el collage o el papier collé, es decir, recortes de cartón y papel, muchas veces de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el pigmento. Esa fue su marca de identidad y su principal aportación al cubismo. El suyo fue un cubismo, por cierto, mucho más estilizado y suave que el de sus dos compañeros.
Con el tiempo se distanció de Picasso y se le acusó de no evolucionar demasiado en cuanto a su pintura. Continuó siendo fiel al cubismo, aunque dandole un poco más de color a la cosa.
Moriría de insuficiencia renal con 40 años en Francia, país que ya lo había adoptado como uno de sus artistas. En España apenas se reconoció su obra. Incluso hoy su producción tiene escasísima presencia en los museos públicos.
de las cuales acabo convirtiéndose en un gran experto. Ese mismo año fue importante porque fue cuando se dio a conocer en una exposición con algunas pinturas cubistas en el Salon des Indépendents de París y, de este entonces, siguió estudiando, evolucionando, innovando… dentro de esta segunda fase del cubismo sintético.
El reloj (1912).
El reloj es un óleo y collage sobre lienzo cuyas medidas son de 65 × 92 cm y actualmente forma parte de una colección privada. Es una pieza importante porque se trata de la primera obra en introducir motivos impresos, que son fragmentos de dos poemas de Apollinaire.
También vemos detalles realistas, no tan propios de esa descomposición cubista como son las borlas del cortinaje, la etiqueta de la botella de Jerez, así como los números del reloj, que es el que le da el nombre a dicha pintura.
Para finalizar, la introducción de nuevos colores que no son los grises y ocres, nos hacen ubicar esta obra, en ser de las primeras realizadas para esa segunda fase, en la que él es especialmente conocido, el cubismo sintético.
Juan Gris convierte una botella del popular licor espirituoso español Anís del mono en un cuadro cubista. Fue él junto a Picasso y Braque uno de los líderes del movimiento cubista que se estaba causando estragos en la percepción del arte tradicional. Es quizás por ello que aparecen en el cuadro tres ciudades ligadas a estos tres grandes artistas: Badalona (cerca de Barcelona), París y Madrid; y al lado una medalla con la palabra «premio»,aludiendo a los triunfos de los tres creadores del movimiento.
Gris se sirve de técnicas cubistas de división y reunificación de objetos y espacio, y como sus compañeros introduce objetos cotidianos como el omnipresente periódico (Le Journal) o la botella de anís. Anticipándose así al POP ART.
La ilustración y logotipo de Anís del mono fue creada por Ramón Casas en 1898 y sirvió a Juan Gris de inspiración para este cuadro. Desde entonces, dicha etiqueta, fue utilizada por numerosos artistas (seguramente muy aficionados al anís) como Picasso o Diego de Rivera.
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