DADAISMO

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). La primera celebración en el Cabaret Voltaire consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión causado por el desinterés social característico de los artistas del periodo de entreguerras. El poeta rumano Tristan Tzara  llegaría a ser el emblema de este movimiento.

El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte y se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. El Dadaísmo propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo, también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo.

La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional.

Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. 

Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través de los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido, pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte,  a través de una sucesión de palabras, letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. 

Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio Dadaísmo.

El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —una rueda de bicicleta, un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage) viene del Dadaísmo.

  

El Dadaísmo dejó como legado las revistas y el manifiesto, que son la mejor prueba de sus propuestas. Pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.

Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad. 

ARTISTAS DADAISTAS:

Tristan Tzara (1896-1963) :  Fue un poeta rumano fundador del movimiento antiarte  dadaísta, asimismo considerado como su máximo exponente y figura. 

https://es.wikiquote.org/wiki/Tristan_Tzara

Jean Arp (1886-1966):  Escultor, pintor y poeta francés que participó en la creación del movimiento Dadá y realizó aportes significativos al arte abstracto y al movimiento surrealista. 

Composition Dada, 1919.

Tinguely (1925-1991): fue un pintor y escultor suizo. Es famoso por sus "máquinas escultura" o arte cinético conocido oficialmente como Méta - Matics. A través de su arte Tinguely satirizó la sobreproducción sin sentido de bienes materiales por parte de la sociedad industrial avanzada.

Su obra más famosa es una escultura que se autodestruye, llamada Homenaje a Nueva York (1960), se autodestruyó en forma parcial en el Museum of Modern Art, de Nueva York, aunque su obra posterior, Estudio No.2 para un fin del mundo (1962), detonó de forma exitosa enfrente del público reunido en el desierto cerca de Las Vegas.

https://detectivesdelarte.wordpress.com/2013/05/05/jean-tinguely-sus-maquinas-y-sus-planos/

  

Man Ray (1890-1976): 

«El violín de Ingres» (Le violón d’lngres) hace referencia a las dos aberturas del instrumento que Man Ray dibujó con tinta china en las espaldas de su amante, la maravillosa Kiki de Montparnasse. Dándole a ese desnudo femenino el cuerpo sonoro de un violín, surge toda una cadena de asociaciones condicionada, y no sólo por el título de la obra.

Man Ray dota a la foto de una especial intensidad erótica, similar a los últimos años de Jean Auguste Dominique Ingres, y sobre todo a su célebre «bañista». Tanto el título como el turbante es un homenaje al maestro.

Explicación poemas DADA. A partir del minuto 7.
https://www.youtube.com/watch?v=rdhhMNnGxRM
Bartolomé Ferrando // PinPanPun 2014

ART NOMADE Bartolome Ferrando

CON EL RABO ENTRE LAS PIERNAS 

Bartolome Ferrando

MAN RAY

Man Ray,1890-1976.

Man Ray fue un fotógrafo, pintor, escultor y cineasta relacionado con el arte modernista, el dadaísmo y el surrealismo. Se hizo famoso por su fotografía de vanguardia y como autor de retratos.

   Se mudó a París en 1921 y su estilo tuvo grandes cambios. Empezó a fotografiar personas en lugar de pintar retratos. El desarrollo artístico efervescente de la capital francesa le animó a experimentar y a probar todas las manifestaciones artísticas disponibles.

 

Empezó a presentar sus rayoramas, unas imágenes fotográficas que hacía sin cámara, en las que exponía a la luz objetos sobre papel fotográfico que después revelaba. Se le consideró un visionario adelantado a su época, a lo que él respondía: "No, yo estoy en mi época, pero vosotros os habéis quedado rezagados".

 Man Ray ya era el mayor referente en manipulación fotográfica.

     A finales de los años 20 hizo incursiones en el cine de vanguardia. En los treinta trabajó con las solarizaciones, que eran negativos fotográficos expuestos a la luz. Volvió a la pintura surrealista y publicó varios volúmenes de fotos y rayogramas. En 1936 su obra estuvo en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Man Ray Grandes miradas de la fotografía:https://www.youtube.com/watch?v=l5EfVTcLLqo
https://www.youtube.com/watch?v=slyd71dFK6Y
Man Ray: vita e opere in 10 puntihttps://www.youtube.com/watch?v=CE7QFMZT_YY
Man Ray and the Rayograph

      El arte de Man Ray esquiva las clasificaciones, está cargado de imaginación, sensibilidad y sentido del humor. Como pionero del dadá y del surrealismo, sus obras son siempre originales, intencionadamente incongruentes, incluso irracionales, a veces eróticas y casi siempre escandalosas. Fue un gran artista multidisciplinar cuya creatividad no tuvo límites.

MACINTOSH PLUS - リサフランク420 / 現代のコンピュー (Music Video)

TIFFANY: LÁMPARAS. LA REVOLUCIÓN DEL VIDRIO.

Louis Comfort Tiffany fue un artista y diseñador industrial estadounidense muy conocido por sus trabajos en vitral y es el artista de Estados Unidos que más se asocia con el movimiento art nouveau. Tiffany fue pintor, decorador de interiores, diseñador de ventanas, vidrio soplado, cerámica, joyería, trabajos en metal y lámparas hechas con vidrios de colores a modo de mosaicos de vidrio.

En su fábrica usaba vidrios opacos en variedad de colores y texturas para crear un estilo único de vitrales, que contrastaba con el método de vidrios transparentes pintados o esmaltados que habían sido los métodos dominantes en la creación de vitrales durante cientos de años en Europa. El uso de vidrio con color para la creación de vitrales fue motivado por los ideales del movimiento Arts and Crafts y su líder William Morris en Inglaterra.

JOYERÍA: René Lalique

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas. El entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación.

Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y

vidriero René Lalique estaba en su centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte japonés.

Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano.A los diamantes se les daba un papel secundario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal.

https://rlalique.com/rene-lalique-biography

LA SEZESIÓN VIENESA: ADOLF LOOS y La casa Steiner de 1910, en Viena

ADOLF LOOS: Fue el pionero del movimiento moderno que preconizaba la desornamentación y la ruptura con el historicismo, siendo considerado uno de los precursores del racionalismo arquitectónico. Para Loos, la arquitectura es distinta al resto de las artes aplicadas, es la madre de todas ellas así concebía que las formas exteriores en arquitectura deben ser funcionales, y debían prescindir de ornamentación.

Adolf Loos criticaba que la humanidad había sido esclavizada por el ornamento y por lo tanto ya no podía crearse uno nuevo. 

En 1908 escribió un famoso artículo denominado "Ornamento y delito", en el que proclamaba una evolución estética que prescinde del adorno y el ornamento, así establecía:

"Como el ornamento ya no está unido orgánicamente a nuestra cultura, tampoco es ya la expresión de ésta."

"...A cada arte su época. A  cada época, su libertad..."

     A raíz de sus postulados, que sostenían un punto de vista antagónico a la arquitectura tradicional polemizó con los modernistas. Su arquitectura es altamente funcional, y tiene en cuenta las calidades de los nuevos materiales.  Consideraba que los espacios sencillos eran mucho más cómodos. Según él, un espacio se basa en la simplicidad de sus partes y sus posibilidades de transformación son infinitas.

VICTOR HORTA; CASSA TASSEL (1892-1893) Estilo : ART NOUVEAU

CASSA TASSEL  (1892-1893) 

El Art NOUVEAU manifiesta una gran libertad creativa utilizando tanto materiales nuevos como recreando formas basadas en la naturaleza, es el llamado también modernismo ondulante. 

EN EL INTERIOR  del primer nivel  refleja en su vestíbulo

                                             los aspectos del modernismo:   

   - Empleo de diferentes materiales: madera, hierro, cerámica, vidrio.

 -Se utiliza el hierro con función tanto sustentante como decorativa  con columnas muy estilizadas de fino fuste que soportan la estructura del edificio y   se abren en  su parte superior imitando a la naturaleza.

 -Se considera todo importante : escaleras, barandillas , tiradores de la  puertas, azulejos  del suelo  con predominio de las formas sinuosas. Fue el propio V. Horta quién diseño el mobiliario.

-Tiene una gran importancia tanto el color como la luz. Las tonalisasdes de color marrón de la escalera , el color de la pared, el color de los azulejos,  que reaccionan de manera diferente  ante la iluminación natural o artificial de las tulipas también diseñadas por Horta.

 

 Hector Guimard. Un creador que diseñó dos modelos distintos para este elemento del mobiliario urbano, y con esos dos tipos se hicieron hasta 141 entradas al metro parisino entre los años 1899 y 1913.

Guimard había viajado a Bruselas y allí admiró obras como la Casa Tassel de Victor Horta, arquitecto al que admiraba. Y además le encantaba la idea del Modernismo de inspirarse en las formas de la naturaleza, lo que le llevaba a desechar las líneas rectas, y optar por las curvas, lo sinuoso y los recuerdos de lo vegetal. Algo para lo cual el material del hierro era ideal, ya que su forja permitía construcciones muy decorativas y al mismo tiempo muy esbeltas, ya que no tenían que haber grandes grosores para que fueran estructuras que se mantuvieran en pie. Sin olvidar, que además era un material más barato. 

El hierro fundido era un nuevo material que había entrado con fuerza en la arquitectura, así como el vidrio, al que también recurrió Guimard. Además el uso combinado de ambos materiales le permitía crear formas de lo más inspiradoras, como en el caso del segundo modelo de entrada al metro, porque allí con su marquesina parece querer evocar las alas de una libélula, posada sobre los vegetales a los que recuerda la parte baja de hierro. 

https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_938.html

Musique: Erik Satie, "Gnossienne" (1890-1893).

Erik Satie (1866-1925), fue un compositor y pianista francés.​ Precursor del minimalismo y el impresionismo, es considerado una figura influyente en la historia de la música.​  Tuvo relación con grandes pintores como, Man Ray, Picasso, Picabia, Juan Gris o Derain. De ellos envidiaba la capacidad de crear obras que al instante y de forma plena fueran captadas por la vista.

 

2010 "La Desaparición de Haruhi Suzumiya", adaptación cinematográfica de la novela de Nagaru Tanigawa. Su banda sonora incluye las tres primeras gnossiennes.

https://mubi.com/es/lists/movies-with-erik-satie-as-soundtrack

Ananr al MINUT 2'30''

Todo Sobre Mí - Especial 1 Millón de Suscriptores | Jaime Altozan

ANTONI GAUDÍ 1852-1926.

 

Arriba, Vídeo promocional del edificio en el que las formas orgánicas y decorativas del edificio toman vida. El dragón dormido despierta y se mueve, mientras que los objetos decorativos adquieren una nueva dimensión que nos hace soñar.

Abajo:

Sumérgete en el universo acuático de Casa Batlló con un vídeo 360. Disfrútalo en desktop, móvil o gafas VR.

 ESCULTURA de SAN JORGE perteneciente a la Catedral de Ribe, Dinamarca, SXIII

 La leyenda de San Jorge, en su función de alegoría, cuenta cómo este santo llegó cabalgando a la ciudad de Silene, en la actual Libia, donde un terrible dragón devoraba a la gente sin piedad y sin que nadie pudiera hacer nada para liberarse del martirio. Todos vivían aterrorizados por la fiera que exigía sacrificios humanos a cambio de no destruir la ciudad, hasta el día en que Cleolinda, la hija del rey, debía ser sacrificada. Entonces, según refieren las versiones primeras, apareció San Jorge montado en un corcel, dispuesto a batirse espada en mano con tan feroz animal, al cual, tras un combate donde se midieron las fuerzas del bien y del mal, lo abatió y cortó la cabeza. Después reunió a los vecinos, que estaban llenos de admiración y de emoción, para hablarles de la fe cristiana. Se dice que sus palabras eran tan hermosas como su imagen, que incluso los más paganos se convirtieron al cristianismo, pidiendo a Dios concederles valor como a San Jorge para luchar contra el dragón infernal y no permitirle que asole la ciudad ni los esclavice con sus tentaciones. 

Gaudí concibió el interior de la Sagrada Familia como si fuese la estructura de un bosque, con un conjunto de columnas arborescentes divididas en diversas ramas para sustentar una estructura de bóvedas. 

Ostenta tres fachadas dedicadas al Nacimiento, Pasión y Gloria de Jesús y, cuando esté concluida, tendrá 18 torres: cuatro en cada portal haciendo un total de doce por los apóstoles, cuatro sobre el crucero invocando a los evangelistas, una sobre el ábside dedicada a la Virgen y la torre-cimborio central en honor a Jesús, que alcanzará los 172,5 metros de altura. Montjuit tiene una altura máxima en su cima  de 177,72 metros.
Gaudí no quería que la altura total del templo de la Sagrada Familia superara la altura de la montaña de Montjuïc, "porque la obra del hombre no debe ser superior a la obra de Dios"

 
El templo fue declarado basílica menor el 7 de noviembre de 2010 por el papa Benedicto XVI. Ese año la recién construida nave principal del templo recibió el premio Ciudad de Barcelona de Arquitectura y Urbanismo. Su capacidad será de 14 000 personas.

Fachada del Nacimiento
Al estar dedicada al acontecimiento gozoso del nacimiento de Jesús, esta fachada presenta una decoración exultante donde todos los elementos son evocadores de la vida. Se centra en la faceta más humana y familiar de Jesús, con una amplia profusión de elementos populares, como herramientas y animales domésticos. Orientada al levante (nordeste), recibe el sol del amanecer, lo que refuerza la idea de vida y alegría vinculada al nacimiento, en contraposición a la fachada de la Pasión, que representa la muerte de Cristo y recibe por tanto la luz del ocaso.

Nave lateral, fachada del Nacimiento.

Fachada de la Pasión

Dedicada a la Pasión de Jesús, pretende reflejar el sufrimiento de Cristo en su crucifixión, como redención de los pecados del hombre. Por ello concibió una fachada más austera y simplificada, sin ornamentación, donde destacase la desnudez de la piedra, que semejase un esqueleto reducido a las líneas simples de sus huesos. Tan solo figuran los grupos escultóricos del ciclo pasional de Jesús, obra de Josep Maria Subirachs, que ideó un conjunto simple y esquemático, con formas angulosas que provocan un mayor efecto dramático. El propio Gaudí describía su concepción de la fachada de la Pasión de la siguiente manera:

"... Alguien encontrará esta puerta demasiado extravagante; pero yo querría que haga miedo, y para conseguirlo no ahorraré el claroscuro, los motivos entrantes y salientes, todo lo que resulte de más tétrico efecto. Es más, estoy dispuesto a sacrificar la misma construcción, a romper arcos y a cortar columnas para dar idea de lo cruento del Sacrificio ..."

Orientada al poniente (suroeste), la fachada está sostenida por seis grandes columnas inclinadas, que semejan troncos de secuoya. 

Es un árbol muy longevo (entre 2000 y 3000 años) y la conífera más alta que existe, llegando a alcanzar 115,61 m de altura y 7,9 m de diámetro en su base.

 

Imagen de Gaudí en el grupo La Verónica, inspirada en la fotografía del Corpus.

El beso de Judas.

http://matematicasentumundo.es/CURIOSIDADES/cuadrado_Gaudi.htm

 Un cuadrado mágico está formado por números colocados en casillas alineadas en tantas filas como columnas, cumpliendo esta curiosa propiedad: la suma de los números situados en cada fila, columna o diagonal del cuadrado da en todas ellas un mismo resultado. Habitualmente son cuadrados 3 x 3, formados por 9 casillas. Pero hay un famosísimo cuadrado 4 x 4 con suma 34, formado por 16 casillas, en el grabado de Alberto Durero Melancolía (data de 1514)

 En el arte del siglo XX encontramos otro cuadrado mágico 4 x 4. Se debe al escultor Josep María Subirachs (1927), quien en 1987 recibió el encargo de proseguir el recubrimiento escultórico de la Fachada de la Pasión en el templo inacabado de La Sagrada Familia, en Barcelona.

Fachada de la Gloria

Dedicada a la Gloria celestial de Jesús, representa el camino ascensional a Dios: la Muerte, el Juicio Final y la Gloria, así como el Infierno, para todo aquel que se aparta del dictado de Dios. Gaudí esbozó tan sólo las líneas generales de esta fachada, ya que era consciente de que no la haría él en vida, sino los que continuasen su obra:

"...El fragmento de maqueta de los campanarios de la fachada principal no lo completaré ni lo desarrollaré. He decidido dejarla sólo programada para que otra generación colabore en el templo, como repetidamente se ve en la historia de las catedrales, cuyas fachadas no sólo son de otros autores, sino también de otros estilos..."

Para acceder al Pórtico de la Gloria habrá una gran escalinata con una terraza donde se situará el Monumento al Fuego y al Agua, con un gran tedero con fuego, en representación de la columna de fuego que guió al pueblo elegido, y un surtidor de agua, con un chorro de 20 metros de altura que se dividirá en cuatro cascadas, simbolizando los ríos del paraíso terrenal y las fuentes de agua viva del Apocalipsis.¹⁹⁴​

La escalinata creará un paso subterráneo en la calle Mallorca, que representaría el Infierno y el vicio, y estaría decorado con demonios, ídolos y falsos dioses, cismas, herejías, etc.¹⁹⁵​ También figurará el purgatorio, y la muerte representada en sepulcros situados en el suelo del porche. En representación de la condena al trabajo sufrida por el hombre tras el pecado original, figurarán en un soportal de la fachada principal representaciones de diversos oficios: sastre, zapatero, albañil, panadero, herrero, alfarero, carpintero, etc. Por medio del trabajo y cultivando la virtud, el hombre puede alcanzar la Gloria, a través de la redención y por intermediación del Espíritu Santo. Así, el pórtico tendrá siete grandes columnas dedicadas a los siete dones del Espíritu Santo; en sus bases aparecerán los siete pecados capitales, y en los capiteles las siete virtudes:¹⁹⁶​

• Dones: Piedad, Fortaleza, Inteligencia, Sabiduría, Consejo, Ciencia, Temor de Dios.
• Pecados: Avaricia, Pereza, Ira, Envidia, Gula, Soberbia, Lujuria.
• Virtudes: Generosidad, Diligencia, Paciencia, Caridad, Templanza, Humildad, Castidad.

Asimismo, hay siete puertas dedicadas a los sacramentos y a las peticiones del Padre Nuestro:¹⁹⁷​

• Bautismo: «Padre Nuestro que estás en los cielos, santificado sea Tu Nombre».
• Extremaunción: «Venga a nosotros tu Reino».
• Orden Sacerdotal: «Hágase tu voluntad, así en la Tierra como en el Cielo».
• Eucaristía: «Danos hoy el pan nuestro de cada día».
• Confirmación: «Perdónanos nuestras ofensas, así como nosotros perdonamos a quienes nos ofenden».
• Matrimonio: «No nos dejes caer en la tentación».
• Penitencia: «Y líbranos del mal».

https://sagradafamilia.org/historia-del-temple

https://profeanacob.wordpress.com/2016/12/14/modernismo-catalan-antoni-gaudi/
https://www.youtube.com/watch?v=d42qG4ZBV2I
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https://profeanacob.wordpress.com/2016/12/08/bloque-tematico-4-el-modernismo-art-nouveau-apartados-conceptuales/

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