SEMBRANT l'ART: Recursos educatius i material de consulta per a l'alumnat de l'IES Josep Maria Parra d'Alzira (València). Nivells de 3r i 4t d'ESO/1r i 2n del Batxillerat d'ARTS PLÀSTIQUES i ESCÈNIQUES: També per a persones amants de TOTES les ARTS.
Propellerheads fue una banda británica fundada por Alex Gifford y Will White. Su nombre significa en la jerga californiana, "empollones informáticos". El grupo es originario de Bath (Inglaterra) se dio a conocer en 1997gracias a la utilización de su canción "Dive!" en un anuncio por parte de Adidas. Posteriormente, lanzaron al mercado en 1998 su disco Decksandrumsandrockandroll, con canciones tan conocidas como "History Repeating", "Take California", "On her Majesty's Secret Service" (Banda sonora de la película, The World Is Not Enough, de la saga James Bond) o "Spybreak" (canción que aparece en la película Matrix y que ha sido utilizada como sintonía principal del programa de televisión CQC en Telecinco, España). Su música electrónica entra en el ámbito del big beat, estilo que iniciaron artistas como The Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Prodigy, entre otros.
Rage Against the Machine (Rage o RATM) és una banda dels Estats Units de Rapcore fundat l'any 1990 per Tom Morello i Zack de la Rocha. Juntament amb Tim Commerford i Brad Wilk, el grup va tocar durant tota la dècada dels anys 90 fins a la seva dissolució l'any 2000. Després es van prendre un descans indefinit fins que l'abril de 2007 i coincidint amb la dissolució de Audioslave van anunciar el seu retorn al festival de música de Coachella a Califòrnia, era la primera vegada que tocaven tots junts en set anys. Arran d'això, la banda ha continuat fent concerts en diversos festivals. Fins i tot no es descarta la possibilitat de treure un nou disc. El grup es caracteritza pel rap de la Rocha, els efectes de guitarra de Tom Morello i les accions politiques fora de l'escena musical d'extrema esquerra.
El 1999 veu la llum el penúltim disc abans la dissolució anomenat The Battle Of Los Angeles amb temes que esdevindran grans èxits del grup com Testify, Guerrilla Radio o Sleep Now In The Fire. Per la gravació del vídeo d'aquest últim single faran un concert improvisat a les portes de Wall Street que obligarà a tancar les portes de l'edifici. Aquest cop era el segon que tancaven les portes, el primer va ser pel Crack del 29. També fou aquest any quan el seu tema Wake Up va ser inclòs a la banda sonora de la pel·lícula de culte dels germans WachowskiThe Matrix.
Tras estudiar pintura y arquitectura en Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), comenzó a trabajar en cine 1939.
Su primer oficio en un rodaje fue como ayudante de decoración. Ahí fue aprendiendo el oficio durante doce años, hasta que en 1951 ejerció por primera vez de director artístico. Sería en la película Día tras día, de Antonio del Amo. A partir de ahí comenzaría una prolífica carrera en el cine español en los siguientes años. Y trabajó también para superproducciones, construyendo decorados o ejerciendo la dirección de arte o el diseño de producción. Durante su carrera trabajó a las órdenes de directores de prestigio como George Cukor, David Lean, Robert Rossen, Stanley Kubrick, John Milius, Orson Welles y Anthony Mann.
Entre las películas de su filmografía internacional destacan sobre todo Espartaco (1960), Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965), Patton (1970) ganando el OSCAR a la mejor dirección artística, Nicolas y Alejandra (1971) ganando el OSCAR a la mejor dirección artística o Viajes con mi tía (1972)
Además de todo esto, también trabajó mucho en España tanto en cine como en televisión hasta el final de sus dias a los 95 años. Ganó cuatro Premios Goya a la Mejor dirección artística:
En un momento de su carrera, a Cézanne ya no le interesa reproducir fielmente el aspecto las cosas, copiar la naturaleza. Empieza a buscar algo más: deja a un lado la apariencia para buscar la esencia, la esencia de la realidad, las relaciones entre las formas y el color.
Cézanne considera que hay otro mundo distinto al que estamos acostumbrados a ver, que hay otras verdades, y que por ello debemos aprender a mirar con otros ojos. Entonces simplifica y reduce la naturaleza hacia las formas geométricas (como podemos ver claramente en este paisaje).
Tampoco respeta ni las reglas de la perspectiva tradicional ni los colores.
La búsqueda de la esencia y las relaciones entre las formas, volúmenes y colores, geometrizando la naturaleza y mostrando las cosas desde distintos puntos de vista al mismo tiempo. Esto sesá el punto de partida para el cubismo. Diapo 39-42. Obra analizada:
Como líder de Calle 13 ha ganado 4 Premios Grammy y 24 Premios Grammy Latinos -- más que cualquier otro artista latino. Estudió arte durante 8 años y ha dirigido algunos de sus vídeos musicales. Fue censurado en su país por insultar públicamente al gobernador de Puerto Rico cuando este despidió a más de 30 mil empleados públicos.
Su madre, Flor Joglar de Gracia, formó parte de la compañía Teatro del 60, y en sus años de estudiante perteneció a la Juventud Independentista Universitaria (JIU). Su padre, Reinaldo Pérez Ramírez, era un abogado laboralista, músico y escritor también independentista que participó en diferentes brigadas internacionales en la Nicaraguasandinista y en Cuba.
Ha colaborado en campañas sociales con UNICEF y Amnistía Internacional y es constante defensor de la educación latinoamericana y los derechos de los pueblos indígenas.(ver link video minutos 20-25)
René Pérez de Calle13 "Los estudiantes no se pueden quitar":Lucha por la educación
Residente ha sido un férreo luchador en pro de la educación en Latinoamérica, uniéndose a manifestaciones estudiantiles en Puerto Rico, México, Chile, Colombia, y República Dominicana entre otros.
En abril de 2010 René presentó en la Universidad de Puerto Rico un video grabado por diferentes artistas y deportistas, nacionales e internacionales, con mensajes de apoyo a la lucha estudiantil del país. Entre los artistas que participaron se encuentran: Bebe, Andrés Calamaro, Kevin Johansen, Juanes, Vicentico, Alejandro Sanz, Carlos Delgado, Rubén Blades y Ricky Martin. Ese mismo día hizo un recorrido por la universidad y le entregó alimentos a los estudiantes que estaban manifestándose y que tenían el recinto universitario cerrado.
En septiembre de 2011 se reúne con líderes estudiantiles chilenos para apoyarlos en su lucha por una universidad pública, gratuita y de calidad.
En noviembre de 2011, durante la entrega de los premios Latin Grammy, René llevó puesta una camiseta que leía Educación Pública, Gratuita para Puerto Rico, Chile, Colombia y República Dominicana.
2017
Residente lanza su primer álbum como solista llamado Residente, el cual fue inspirado en los resultados del análisis de su ADN. Su primer sencillo, Somos Anormales, fue dirigido por él mismo y lanzado el 13 de enero de 2017. Residente lanzó un rap de 12 minutos titulado La Cátedra como respuesta a un beef del rapero Tempo. En esta canción, Residente manifiesta alcanzar las 1900 palabras, lo que la convertiría en un récord mundial, no sólo para el rap, sino para el mundo de la música en general, es nominado 9 veces para los grammys en 2017 y su tema Dagombas en Tamale se encuentra entre el soundtrack de Fifa 18.
Residente dedica su nuevo video llamado "Guerra" a la guerra de Siria:
La Super Bowl és el nom que rep el partit de campionat (la final) de la National Football League de futbol americà. La primera edició es va jugar el 15 de gener de 1967 i s'enfrontaren el campió de la National Football League i l'American Football League.
Al marge de l'àmbit esportiu, la Super Bowl és una de les retransmissions per televisió més vistes als Estats Units cada any. És la retransmissió televisiva amb més audiència als Estats Units d'Amèrica i de les més vistes a tot el món. Els nord-americans consumeixen més menjar i beguda durant la final que en qualsevol altra data, exceptuant el Dia d'Acció de Gràcies.
Molts músics han actuat durant les cerimònies abans dels partits i en el descans, la franja publicitària és la més cara de tot l'any, i el dia del partit (conegut com "Super Sunday" -Súper Diumenge-)
El partit es disputa el primer diumenge del mes de febrer i deu el seu nom a Lamar Hunt, antic propietari dels Kansas City Chiefs, qui el va anomenar així després de veure al seu fill jugar amb una pilota rebotadora.
Super Bowl,1984: SPOT Publicitario del Macintosh Computer
Dirigido por Ridley Scott, televisado durante un tiempo muerto en la 18 dición del Super Bowl.
Fue un destacado anuncio de televisión usado en el lanzamiento en Estados Unidos de la computadora Macintosh 128K de Apple, en 1984. Está inspirado en la novela 1984 de George Orwell,
Muchos analistas detectan paralelismos entre la sociedad actual y el mundo de 1984, sugiriendo que estamos comenzando a vivir en lo que se ha conocido como sociedad orwelliana, una sociedad donde se manipula la información y se practica la vigilancia masiva y la represión política y social. La novela fue un éxito en términos de ventas y se ha convertido en uno de los más influyentes libros del siglo XX.
Se mostraba en pantalla y se oía una voz con el mensaje: On January 24th, Apple Computer will introduce Macintosh. And you'll see why 1984 won't be like "1984" Traducción: ...El 24 de enero, Apple Computer presentará Macintosh, y verá por qué 1984 no será como "1984"..., fundiéndose al final a una imagen del logo de la manzana arcoirisada de Apple sobre fondo negro.
El comercial comienza con una serie de imágenes que muestran un futuro distópico de escenarios grises por los que circulan caminando al paso hombres de piel gris, cabezas rapadas y vestidos con uniformes grises. De fondo se oye la voz del "Gran hermano" (Big Brother), una representación de IBM, interpretado por David Graham declamando un texto de adoctrinamiento extremadamente claro: "Hoy celebramos el primer glorioso aniversario de las Directivas de Purificación de Información. Hemos creado, por primera vez en la historia, un jardín de ideología pura donde cada obrero puede florecer a salvo de las plagas que proveen de pensamientos contradictorios. Nuestra Unificación del Pensamiento es un arma más poderosa que cualquier flota o armada sobre la tierra. Somos un pueblo con una voluntad, una resolución, una causa. Nuestros enemigos hablarán entre sí hasta su muerte y nosotros los sepultaremos en su propia confusión. ¡Nosotros prevaleceremos!".
Intercaladas estas imágenes, se ven otras que muestran a una heroína sin nombre (interpretada por Anya Major) vistiendo zapatillas deportivas rojas, shorts rojos, y top blanco con la imagen de una manzana y un computador, que corre portando un gran martillo mientras es perseguida por policías antidisturbios. Hacia la mitad del anuncio se ve a los hombres de gris entrar y sentarse en una sala de cine en la que, desde la pantalla, el Gran Hermano sigue declamando su discurso. La heroína entra corriendo perseguida por los policías; la cámara recorre las filas de hombres sentados en butacas que miran a la pantalla sin expresión; la heroína se planta en mitad del pasillo y comienza a girar el martillo para arrojarlo contra la pantalla sin que los policías que la persiguen puedan impedirlo. Cuando el martillo impacta en la pantalla, ésta explota y la cámara recorre las filas de hombres sentados que miran boquiabiertos.
Espectáculo de medio tiempo del 27 Super Bowl
31 de enero de 1993, Michael Jackson
En el Rose Bowl, ubicado en la ciudad de Pasadena, California, como parte de la 27ª edición del Super Bowl. El cantante Michael Jackson encabezó la actuación y se convirtió en el primer solista en presentarse sin invitados en dicho espectáculo. En el espectáculo interpretó varios de sus éxitos como «Billie Jean» y «Black or White», así como «We Are the World» y «Heal the World» acompañado de un coro de 3500 niños locales. Jackson fue contratado en un intento de evitar perder audiencia televisiva durante el medio tiempo, y luego del éxito que supuso su actuación, se comenzaron a buscar grandes artistas cada año para los espectáculos que le sucedieron. Por ello, varios articulistas han citado a Jackson como aquel que estableció los espectáculos de medio tiempo modernos.
El espectáculo de medio tiempo de Jackson marcó la primera vez en la historia del Super Bowl en la que el medio tiempo fue más visto que el partido en cuestión. Varios medios como la revista Billboard, el periódico Mercury News y el canal CBS han incluido la actuación como una de las diez mejores del evento; de hecho, la revista Rolling Stone lo catalogó como el mejor de la historia.
El espectáculo se llevó a cabo el 31 de enero de 1993, e inició con las cámaras enfocando a dos de las pantallas del Rose Bowl donde emergieron dos imitadores de Jackson, hasta que el real apareció en el centro del escenario principal ubicado en el campo del recinto. Después de una espera de casi dos minutos, Jackson empieza a cantar «Jam» acompañado de cuatro bailarines vestidos de soldados. Tras ello, remueve su chaqueta y presenta «Billie Jean» realizando su característico moonwalk, y seguidamente canta «Black or White». Posteriormente, un coro de 3500 niños locales cantan «We Are the World» mientras la audiencia del recinto crea figuras de niños con pancartas. Después, Jackson dice: «Hoy, nos levantamos juntos en todo el mundo uniéndonos por un propósito común de rehacer el planeta y llenarnos de felicidad, entendimiento y cosas buenas. Nadie debería sufrir, especialmente nuestros niños. En estos tiempos, debemos tener éxito. Esto es para los niños del mundo», y acto seguido canta «Heal the World». En ello, varios niños ingresan al centro del escenario mientras se infla un globo del planeta Tierra, y el espectáculo concluye con una ronda de fuegos artificiales.
Cobertura de la televisió
Tradicionalment, la Super Bowl ha estat un dels programes de televisió més vistos als Estats Units i la retransmissió sol liderar les audiències d'aquest mitjà cada any. Durant la trobada, la cadena que ho retransmet obté una quota de pantalla d'entre el 40% i el 60%, la qual cosa es tradueix en prop de 120 milions d'espectadors que sintonitzen amb el partit almenys en alguna ocasió. A més, el senyal de la trobada es transmet a més de 200 països, per la qual cosa l'audiència es multiplica fins a cent milions de persones a tot el món. Després del partit, és tradicional que el canal que ho ha retransmès emeti un programa o sèrie de televisió del que espera obtenir bones audiències. Exemples d'això van ser les estrenes de The A-Team (1983), Pare de família (1999) o American Dad! (2006) entre altres programes. Les xarxes també aprofiten per emetre les seves sèries amb un capítol especial, allunyat de la trama principal per atreure més públic, com ha ocorregut amb Els Simpson (amb l'episodi "Sunday, Cruddy Sunday") o House (amb "Frozen").
Publicitat
Les franges comercials durant el partit de la Super Bowl són les més cares de la televisió als Estats Units, per la qual cosa moltes empreses decideixen comprar aquests espais per emetre els seus anuncis més costosos i les seves majors produccions. El primer anunci d'aquestes característiques va ser "1984" d'Apple, dirigit per Ridley Scott, que va revolucionar el concepte de la publicitat emesa en aquest esdeveniment. Des de llavors, moltes empreses usen aquest espai per donar a conèixer les seves propostes més creatives i els seus nous productes, i fins i tot alguns diaris com USA Today organitzen un concurs per premiar al millor anunci de la Super Bowl. És habitual també la presència d'anuncis fixos, com la campanya de Disney "I'm going to Disney World!", en la qual futbolistes i celebritats del país animen a la gent a acudir al parc temàtic. El nombre d'espais destinats a la publicitat està limitat i, a causa de l'audiència que pot aconseguir el partit, el seu preu és molt elevat. El 2016, una empresa que volgués col·locar un espot de 30 segons durant el partit havia d'abonar prop de 5 milions de dòlars.
El grupo estadounidense de pop-rock Maroon 5protagonizó en 2019 el espectáculo del intermedio de la gran final de la Liga Nacional de Fútbol Americano de la Super Bowl, que se celebró en Atlanta (EE.UU.) el pasado 3 de febrero.
La actuación del medio tiempo del Super Bowl es un auténtico acontecimiento mundial, que atrae tanta atención como el partido en sí. En los últimos años, además de Justin Timberlake en 2018, se presentaron en ese escenario Lady Gaga (2017), Coldplay (2016), Katy Perry (2015), Bruno Mars (2014) y Beyoncé (2013). Anteriormente dejaron su huella en este espectáculo leyendas de la música como Michael Jackson, Madonna, The Rolling Stones o Prince. Janet Jackson fue registrada en la edición 2007 del Libro Guinness como la persona más buscada en la historia de Internet y como la más buscada en la sección noticias.
1848 fue un año revolucionario: insatisfacción social y política, demandas democráticas, la lucha obrera, la libertad de expresión… En tal contexto tres amigos, hambrientos en todos los aspectos de la palabra, y cansados de la pintura académica, deciden hacer su propia revolución.
Este año tiene lugar la primera reunión y se dejan claros varios puntos. Para empezar el nombre, que hace referencia al arte realizado antes de Rafael, sobre todo el arte medieval y el de los primitivos italianos, un arte que consideraban libre de cualquier amaneramiento académico. Un arte puro.
Porque la libertad lo era todo para estos jóvenes rebeldes. Y para ser libres necesitaban poder expresar ideas auténticas y sinceras habría que buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.
La hermandad sentía que tras la Revolución Industrial se había creado un sistema social injusto y decidieron atacarlo con virulencia. También atacaron la principal institución victoriana: la familia; y por supuesto la religión (que no el misticismo o la espiritualidad, ojo), que había asfixiado al arte durante siglos.
En las primeras reuniones los jóvenes ven que la cosa lleva a algo importante, y se emocionan. Para ellos estos cuadros serían el arte del futuro. Temperamentales, hacen un pacto y deciden firmar su obra como P. R. B. (Pre-Raphaelite Brotherhood) sin explicarle a nadie su significado.
La hermandad no estaba compuesta sólo de artistas. Destacó sobre todo la figura de Elizabeth Eleanor Siddal, apodada por todos Lizzie, que al principio sirvió de modelo y después desarrollaría su propia carrera artística.Lizzie era pelirroja, por lo queRossetti se enamoró de ella al momento, llegando a afirmar en cuestión de días que “sin ella no soy nada”. La modelo de hecho aparece en buena parte de la producción del líder pre-rafaelita y acabaría casándose con Rossetti, aunque eso no impidió que el artista se siguiera relacionando con más mujeres.
Lizzie fue también una luchadora contra la superficial y cruel sociedad victoriana, y por su belleza inalcanzable e inteligencia se convirtió con todo el mérito en la musa de la hermandad.
La Virgen María según Rossetti. Pelirroja, pálida y no muy feliz por la noticia de ser madre.
“Ece Ancilla Domini”/"La anunciació" 1850. Actualment es troba en la Tate Gallery de Londres.
Con cuadros como este se causó conmoción en la rígida Inglaterra victoriana.
¡La virgen en camisón! ¡Y además pelirroja…!
Antes, cuando el Arcángel Gabriel sorprendía a la Virgen, ésta estaba rezando o leyendo (tareas nobles), pero la Virgen de Rossetti estaba no sólo durmiendo, sino que no parece contenta con lo que va a pasar…
¡Y el ángel…! Sin alas, mal tapado con una túnica y entregándole a la Virgen un elemento que apunta con una vara de nardos hacia el vientre de la chica…
Lo que pinta Rossetti es a una mujer fecundada en su propia cama, y además con un formato claustrofóbico.
"Estem davant d'una interpretació de la anunciació de la verge María que és representada com una adolescent indiferent i atemorida, pàl·lida no tant per candor espiritual quant per confusió, sembla una noia malalta. La model d'aquesta pintura seria la seva germana. Apareix vestida amb un hàbit o el que recorda a una bata d'hospital. Aquesta espantada per l'aparició de l’arcàngel, un jove missatger (sense ales) que apareix del no-res amb una túnica que acaba en flames en els peus. L’arcàngel l'apunta amb la vara de nards que simbolitza la virginitat com si l'amenacés amb un punxó, directament al sexe. La seva obra és intensament mística i primitiva. El blau dóna una sensació gèlida, inhumana, donant una sensació accentuada d’irrealitat a l'obra. El purisme del dibuix, nexe d'unió amb altres artistes europeus del segle XIX com Ingres o Overbeck, serveix d'eina per al realisme." http://terradesomnis.blogspot.com/2008_11_16_archive.html
El enigmático Dante Gabriel Rossetti se erigió como el líder natural del grupo. Su carisma era indiscutible y tenia un gran poder de persuasión. Sus dos grandes pasiones: las mujeres pelirrojas y los animales exóticos. A menudo se dejaba ver con armadillos o wombats y era habitual del zoo de Londres, donde pasaba horas estudiando a los bichos. Este artista es considerado hoy el precursor indiscutible del Simbolismo, las propuestas de William Morris acabarían con la creación del Art Nouveau y una “segunda generación prerrafaelita” siguió preservando el arte que ahora ya era valorado por crítica y público como uno de los movimientos artísticos más importantes de le época. La observación minuciosa de la naturaleza de los P. R. B. influyó en el Arts and Crafts de William Morris.
El jovencito John Millais era el niño prodigio. En cuanto a técnica, sin duda era el más talentoso de la hermandad. Millais era tan bueno que con 4 años ya pintaba obras más que notables. Un brillantísimo artista que tenía un futuro prometedor. Para ello reclama la vuelta del uso del natural como modelo, con una atención al detalle y un colorido que buscaba contraponerse al claroscuro y que en ocasiones, recuerda a los temples medievales por sus colores brillantes y sus perspectivas casi planas. Todo ello sazonado con buenas dosis de simbolismo y una elección de temas frecuentemente moralizantes, en los que la figura femenina y su sexualidad jugaban un papel preponderante.
Este aspecto en torno a la representación de lo femenino suponía una provocación dentro la sociedad victoriana, que desaprobaba por completo cualquier atisbo de sexualidad femenina pero que, al mismo tiempo, como suele suceder con todo lo prohibido, sentía una morbosa curiosidad al respecto. No es de extrañar por tanto que la muerte de Ofelia fuera uno de los temas fetiche de los pintores en la Inglaterra victoriana.
"Ophelia", 1852. John Everett Millais. Lizzie encarnó a Ofelia en la obra de Millais.
Este personaje crucial en la obra de Shakespeare, que encuentra la muerte presa de la desesperación tras el rechazo de Hamlet y el asesinato de su padre Polonio a manos de éste, representa como nadie a la mujer destruida por amor. Ofelia se convierte así no solo en un icono literario, sino en la perfecta idealización de la mujer que sucumbe a la pasión amorosa y, por ello, paga un alto precio. Se convierte así en un motivo perfecto de representación por los Prerrafaelistas, que tenían predilección por adaptar pasajes literarios.
De este modo Millais decide mostrar en su Ofelia (1851-52) una mujer diferente a la que había sido representada con anterioridad, abriéndonos las puertas al momento exacto en el que ésta parece exhalar su último aliento de vida. Somos testigos de su fatal desenlace, pero pese a lo macabro del gesto que se dibuja en su rostro, la obra en su conjunto está lejos de transmitir la desesperación que se le presupone a un ser que ha visto su mente nublada por la locura. Al contrario, toda la escena rezuma serenidad. Desde la propia postura de su cuerpo, con los brazos abiertos y las palmas de las manos expuestas, el artista decide presentárnosla cercana a la iconografía que rodea a los mártires, efectuando el tránsito entre la vida y la muerte con resignación y calma. Por tanto, si bien no podemos afirmar que John Everett Millais buscara huir del papel moralizante de Ofelia como mujer física y mentalmente devastada por sucumbir al amor, sí decide presentarlo de una forma distinta a sus contemporáneos, mostrando de manera cruda la consecuencia última que el destino guarda para Ofelia, pero huyendo de representar a la joven cercana a la iconografía de la femme fatale a la que tan aficionado era su colega Dante Gabriel Rossetti.No debemos olvidar que en Hamlet (1599), Ofelia responde a los criterios de mujer sumisa y virginal controlada y manipulada por todos los hombres que aparecen en escena, por lo que en este caso, es más digna de destacar su redención que su propia perdición. Ofelia no usa su sexualidad de forma explícita para manipular a Hamlet; sin embargo Hamlet sí hace uso de constantes juegos mentales y emocionales que acaban quebrando la mente de Ofelia. Millais nos ofrece aquí el retrato de una víctima que, una vez recibe su mortal castigo por dejarse guiar por la pasión, liquida sus pecados y goza de la serenidad propia de una mártir.
Las flores que a modo de lecho rodean al cuerpo aparecen en escena como causa indirecta de su muerte ya que si nos atenemos al relato del dramaturgo inglés, la joven se encontraba intentando decorar con ellas las ramas de un sauce cuando cayó al río. En el margen izquierdo de la composición se puede apreciar una de estas ramas, que añade un elemento de causa-efecto a la narración y que se completa con el recurso de la vegetación, salpicada de plantas y flores. Al igual que en la obra de William Shakespeare, éstas son más que un elemento decorativo, poseyendo cada una de ellas su propio significado. Un significado del que tanto Shakespeare como Millais eran plenamente conscientes. Así podemos decir que el sauce simboliza el amor, las ortigas que vemos creciendo en la orilla representan el dolor, la margarita la inocencia, la violeta la fidelidad y la pequeña rosa que yace junto al rostro la indecisión.
Pero de entre todas las flores que cubren el cuerpo sin vida de la joven, destaca la amapola, que es pieza central, no solo por encontrarse posicionada en el lugar más céntrico de la escena, sino también por su color rojo, que destaca por encima del resto. Curiosamente, esta flor es la única de las que se pueden contemplar en la obra que no aparece en ningún momento en Hamlet (1599) , por lo que algunas voces apuntan a que el prerrafaelista decidió incluirla para aludir al opio y con ello al estado de adormecimiento que provoca la muerte por ahogo en la protagonista, mientras que otros afirman que su significado es mucho menos mórbido y que simboliza confesión.
Por tanto donde Shakespeare busca enfatizar el dramatismo de los elementos del amor fatal que han llevado a Ofelia hasta la muerte, John Everett Millais encuentra la excusa perfecta para recrearse en la representación de la naturaleza, clave ineludible de los prefectos Prerrafaelistas. La naturaleza como protagonista pero tratando de ser lo más fiel posible a la original, por lo que se copia directamente del natural. En este caso, Millais pasó cinco meses acudiendo diariamente a la orilla del río Hogsmill. Obsesión que se tradujo en una reproducción detallista y casi hiperrealista de la vegetación en torno al cadáver de Ofelia y que parece crear una suerte de tapiz alrededor de su vestido. Un vestido que destaca sobre el fondo con su color claro, exaltación del gusto Prerrafaelista por los colores brillantes, pero también elemento que refuerza la idea de la fragilidad virginal de Ofelia y añade una connotación bucólica al conjunto, al flotar éste en torno al cuerpo como una nube que por partes comienza a ser engullida por las aguas del río.
La obsesión de John Everett Millais por reflejar con extrema similitud la naturaleza era tal, que creó primero todo el fondo vegetal y sobre ello, añadió posteriormente la figura de Ofelia, ya que lo importante de este cuadro para él no era tanto la tragedia de la joven doncella, como el incomparable marco donde encontró la muerte. Tal concepción era debida, por supuesto, a la búsqueda por cumplir con los objetivos básicos del Prerrafaelismo. Cabe destacar que en su búsqueda por plasmar con absoluta precisión la forma en la que los cabellos y el vestido quedaban suspendidos sobre el agua, hizo posar durante horas a su musa, Elizabeth Siddall, sumergida en una bañera de agua que se mantenía caliente solo gracias al uso de lámparas de aceite bajo ella. Durante una sesión, las lámparas de aceite responsables de mantener el agua caliente se apagaron, y la modelo enfermó gravemente.
El aspecto del lienzo, para el que eligió una forma abovedada en la parte superior, escapando de la tradicional alargada, supone el broche final a esta obra, la única del primer periodo Prerrafaelista que conseguiría gustar por igual al público y a los críticos de arte. Y es que es gracias a este detalle que, pese a estar observando un cadáver, el espectador no siente estar contemplando la escena fúnebre con reminiscencias de ataúd que cabría esperar de un formato alargado, sino que en su lugar le invade una percepción casi onírica: la de estar asistiendo como huésped no invitado al descubrimiento de una suerte de gruta. Aquella que acoge la muerte de esta joven, que en su último aliento y sumergida bajo un puñado de flores, formará ya para siempre parte de este paraje natural. Como resultado nos dejó un conjunto que lejos de separar el fondo vegetal de la figura de Ofelia, hace que ambos se fundan en uno.
William Holman Hunt era el espiritual, sus pinturas muestran una sensibilidad sorprendente y una ejecución de una gran delicadeza. Cuadros que muestran temáticas sociales, pinturas con referencias literarias y mucho simbolismo religioso, o sencillas escenas de la vida cotidiana que Hunt pintaba con gran atención al detalle, y mostraban un colorido muy vivo y elaborado.
“El despertar de la conciencia” (1853) de Hunt.
“El despertar de la conciencia” (1853), del prerrafaelista William Holman Hunt, representa a una mujer joven levantándose del regazo de un hombre, con una mirada triste en el infinito. La pintura, llena de simbolismos, intenta advertir de los peligros a los que se expone la mujer que cede al libertinaje moral. Es una pintura narrativa que nos habla de la sociedad de la época que cumple con la más estricta moralidad victoriana.
En el lienzo, Hunt representa a una pareja formada por un adinerado joven que se encuentra recostado sobre un asiento situado delante de un piano mientras su joven amante, sentada sobre él, hace ademán de levantarse o escapar mientras mira hacia la ventana por la que penetra la claridad del jardín que se refleja en el espejo situado en la habitación. El joven se deduce que ha venido a visitarla hace un rato a la lujosa casa que él le ha puesto pues su sombrero de chistera descansa sobre la mesa situada en la estancia.
Las manos entrelazadas de la mujer ofrecen un punto focal y la posición de su mano izquierda hace hincapié en la ausencia de un anillo de bodas. Al mostrar una relación extramatrimonial, aunque fuera con una carga moralizante, la pintura debe el escándalo suscitado en la época.
La habitación presenta un gran desorden; un guante de mujer, sucio, aparece tirado sobre la alfombra. El guante simbolizaría el destino que le espera a la joven si continúa con su amante. También se pueden observar unas hebras de lana de la deshilachada tapicería que indicarían su estado actual y su iniciado camino hacia la perdición.
Debajo de la mesa un desagradable gato negruzco juguetea con un pajarillo que intenta salvarse de los ataques del felino, símbolo este usado para indicar la prostitución que amenaza a la joven cuando el día de mañana el rico y libertino amante la abandone y tenga que buscarse su medio de supervivencia. El gato que aferra al pajarito del ángulo inferior izquierdo es un reflejo de la situación: la muchacha está atrapada en un destino oscuro.
Tanto la partitura caída en el suelo como la que descansa sobre el piano son alegóricas a la inocencia de la infancia y del pasado y al mundo que la amenaza. Es seguramente la letra de la canción de esa última partitura la que se quiere interpretar que ha despertado la conciencia de la joven después de que su amante la haya tocado al piano y tarareado unos momentos antes y por lo que ella trata de incorporarse mientras mira hacia la ventana por la que penetra la luz. La partitura al del piano es la canción “Oft in the Stilly Night” (a menudo en el silencio de la noche) que habla de las oportunidades perdidas, la memoria de un pasado feliz, la inocencia de la infancia.
En un abigarrado interior repleto de muebles recién estrenados y ostentosos (indudablemente el piso de una mantenida) una pareja parece mantener un juego amoroso desigual. El es un joven de buena familia. Ella, posiblemente, acaba de debutar como “mantenida”, un híbrido entre prostituta y amante; la muchacha está atrapada en un destino oscuro. Posiblemente terminará rechazada y despreciada como el guante que yace a sus pies. Pero, de improviso y cuando la joven está a punto de perder su candor, se pone a evocar la inocencia de su niñez al escuchar las notas de una canción que interpreta al piano su presunto seductor. Dirige la mirada sorprendida y a la vez esperanzada hacia la luz de ese jardín paradisiaco que vemos reflejado en el espejo del fondo. Su conciencia ha despertado y tal vez consiga redimirse.
El cuadro se llama el despertar de la conciencia, porque muestra el momento en el que ella se da cuenta de su degradación moral y añora su anterior inocencia.
