Mondrian,Gerrit Rietveld y Theo van Doesburg: Neoplasticismo

Neoplasticismo: nuevo enfoque.

Neoplasticismo o constructivismo holandés también llamado De Stijl. Es un nuevo (neo) enfoque de las artes plásticas (plasticismo) basado en relaciones universales.

¡Qué difícil es destilar todo lo que sabemos y sentimos, en un sistema simplificado! Pues eso intentó Piet Mondrian. Uniendo cubismo y teosofía, reivindicó un proceso de abstracción progresiva donde las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores a los tres primarios, el blanco y el negro.

No existe la profundidad, no existe ningún tipo de referencia figurativa, no existe ni siquiera una simbología. El neoplasticismo es arte puro: línea y color, unidas en un mismo espacio.

Para los neoplasticistas era imprescindible rechazar cualquier motivo reconocible, no se debía imitar la vida real. Consideraban que el arte forma ya parte de la vida real, así que no es necesaria su imitación.

La abstracción en este y otros estilos, coincidentes en el tiempo en Europa, era una forma de contribuir a un mundo nuevo y mejor después de una horrible guerra mundial… Aunque quedaba por venir otra… 

Hasta minut 3'30''

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https://profeanacob.wordpress.com/2017/01/19/neoplasticismo-de-stijl-mondrian-doesburg-rietveld/

Piet Mondrian, el «pintor de los cuadraditos» fue un artista holandés que creó su obra en torno a la revista De Stijl, principal órgano de difusión neoplasticista.
Para tipos como Mondrian, el arte debía ser representado a través de líneas rectas y colores puros. Cada uno tiene su opinión. En caso de Mondrian, esto se debía a que lo rectilíneo y lo cromáticamente puro era un símbolo de la expresión del orden cósmico. Esto está vinculado a las teorías teosóficas que estaban de moda en la Europa de la belle epoque y que a la larga no es más que un intento de abstracción diferente al de Kandinsky. Mucho más ordenado, más matemático… y más frío.

Se formó como maestro de dibujo de educación obligatoria y a finales de siglo en Amsterdam se empezó a relacionar con los innovadores grupos artísticos del momento. Ahí pinta sus primeras obras, a años luz de lo que vendría después: paisajes serenos, grises, tierras, tonos oscuros… En el video "Discovery of Mondrian" tenemos un material valioso para poder formar una buena idea al respecto. (Gracias a Bernat Cucarella Sifre- TANREB por colaborar con esta recomendación:

 

Pero en 1912 se traslada a París, donde conoció a gente como Leger o Braque que le descubren el nuevo y loco arte del siglo XX. Al principio se hizo cubista como ellos, pero poco a poco se fue interesando más por la abstracción.

La Gran Guerra llegó y el artista regresó a los Países Bajos, donde conoció a los que serían sus compañeros de movimiento, Bart van der Leck y Theo van Doesburg. Con ellos y otros más (arquitectos, diseñadores…) funda la revista De Stijl.
Con ella este grupo de artistas querían representar las verdades absolutas del universo. A partir de ese mismo momento, Mondrian se expresaría sólo a través de planos de colores primarios y líneas rectas.
Al final Van Doesburg acabaría usando diagonales, aburrido de tanta línea monótona, y un ofendido Mondrian se separaría definitivamente del grupo por semejante sacrilegio.

Tras esto viajaría, exportando su visión artística: Londres, Nueva York… Ahí perdería la rigidez anterior y ganaría ritmo. Influido por el jazz, y seducido por lo cosmopolita de la Gran Manzana, elimina el color negro de sus composiciones. Hace obras inspiradas en la distribución de calles neoyorquinas. 

From "Jazz Art / Art Jazz" concert, live improvisation to modern art. Recorded 5/20/17, East Shore Unitarian, Bellevue WA 

A moderately successful animation experiment based on the grid-and-block artwork evolved by Mondrian. It was made with Artoonix.

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Theo van Doesburg:

Fundador de la revista de arte avant-garde de Stijl. Dio clases en la Bauhaus y en 1926 publicó su manifiesto "De Stijl", en el que explicaba su teoría elementalista, portavoz de los neoplasticistas que luchaban por la simplificación radical basada en el uso de líneas y ángulos rectos y colores puros. Funda la revista De Stijl.
Con ella este grupo de artistas querían representar las verdades absolutas del universo. A partir de ese mismo momento, Mondrian se expresaría sólo a través de planos de colores primarios y líneas rectas.

Counter-Composition XIII, 1925

Contra-Composition with Dissonances XVI, 1925.

Composición aritmética, 1929.

Gerrit Rietveld:
El diseñador y arquitecto holandés Gerrit Rietveld fue un pionero del diseño moderno. Asociado con el movimiento De Stijl, su enfoque progresivo hacia la arquitectura y los muebles tuvieron una repercusión en Holanda y más allá, y todavía sirve de inspiración al movimiento de diseño holandés actual. Rietveld era de la idea que los muebles hechos a mano de aquella época eran demasiado pesados, demasiado laboriosos e innecesariamente caros. Estaba interesado en cómo las máquinas podrían producir muebles que fueran de un estilo más simple y más accesibles a un gran mercado. Actualmente es producida por la marca Cassina . Se trata de un Sillón con estructura de haya teñida de negro. Asiento (azul) y respaldo (rojo) en multicapa lacado. Con un sutil juego de líneas verticales y horizontales, este sillón neoplástico se convirtió en el manifiesto del movimiento De Stijl y, como tal, todas las partes de su estructura encajan superponiéndose en lugar de utilizar juntas. Los colores primarios del diseño son un tributo a la pintura de Mondrian, con su rojo, azul, amarillo y luego negro para la estructura, colores que perfilan todas las partes diferentes cada una de las cuales tiene funciones específicas:

“La silla Roja y azul (1917) está considerada la primera butaca moderna… era como un Mondrian en tres dimensiones. Representaba mejor un movimiento, el neoplasticismo holandés, que una butaca doméstica”.

 Diseñada por Gerrit Thomas Rietveld en 1917.

https://dismobel.es/decora/la-silla-roja-y-azul-de-gerrit-thomas-rietveld-considerada-la-primera-butaca-moderna/

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Isabel Coixet. La sexta noche

https://www.lasexta.com/programas/sexta-noche/entrevistas/isabel-coixet-expresarme-con-libertad-me-ha-hecho-sentirme-sola-en-algunas-ocasiones-video_201811115be76cf20cf200fa81f1f821.html

¿En qué falló España para no obtener un buen resultado en Eurovisión 2018 con 'Tu canción' de Amaia y Alfred?
El crítico Ferrán Monegal analiza la puesta en escena de varios participantes de Eurovisión preguntándose qué hay que hacer para triunfar en Eurovisión y qué hizo España con Amaia y Alfred. Para Monegal, "Eurovisión es el parque infantil de Europa".

Joan Miró

 https://historia-arte.com/artistas/joan-miro

https://historia-arte.com/artistas/rene-magritte 

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https://profeanacob.wordpress.com/2017/01/29/miro/

Joan Miró (Barcelona 1893- Mallorca 1983). Siguiendo los deseos de su padre estudió en la Escuela de Comercio de Barcelona y asistió a las clases de la Escuela de Bellas Artes. Ejerció como contable en la droguería Dalmau y Oliveres, pero no consigue adaptarse al trabajo y esto le provoca una crisis nerviosa. Se traslada a descansar a la casa de campo que poseía su familia en Mont-roig, un pueblecito de Tarragona, y aquí es cuando decide dedicarse completamente a la pintura. De regreso a Barcelona, Miró se matricula en la Academia Gali, que proponía como método de enseñanza tocar las cosas, los objetos y las personas para después pintarlas y dibujarlas, de forma que se ampliaba la experiencia sensorial para después traducir visualmente todas esas sensaciones.

Descubriendo a Miró

Fue pintor, escultor, grabador y ceramista. Y además uno de los pioneros de eso que se llamó surrealismo, en concreto de su vertiente más «infantil» y automática. Para Joan Miró el subconsciente era un enorme campo de juegos, o un juguete muy parecido a los que tuvo en su infancia. Con inicios muy eclécticos, el pintor barcelonés nació con las vanguardias y en su primera obra mostró fuertes influencias del fauvismo, cubismo y expresionismo, todo con ese toque tan naïf propio de su producción. Sus primeras obras, entre 1915 y 1918, están influidas por Cézanne, Van Gogh, el brillante colorido fauvista y las formas fragmentadas del Cubiso. En ellas, muestra ya su gusto por las figuras y personajes relacionados con el mundo rural de sus veranos en Mont-roig.

La Masía, pintada en 1922, evidencia la transición al surrealismo. Presenta la granja de su familia. Cada motivo ha sido pintado con el deseo de mostrar sus partes más importantes. Para conseguirlo, altera la disposición convencional de las figuras, elimina la pared del establo para dejar ver lo que hay dentro y varía las perspectivas de los objetos de forma que unos aparecen de frente y otros de perfil.

Todos los elementos están representados con claridad, con precisión y nitidez, imprimiéndoles solidez onírica. La crítica ha calificado a esta etapa como detallista, por la minuciosidad descriptiva con que trata los objetos y personajes relacionados con las labores del campo.

En 1919, Miró viaja a París y bajo la influencia de los surrealistas su estilo va madurando. A pesar de su afinidad creativa al Surrealismo, nunca estuvo plenamente integrado en el grupo. Sus obras son extraídas del subconsciente con mucha fantasía. Miró quería hacer una mezcla de arte y poesía, creando así un arte nuevo. Pero en París descubre el poder de lo onírico y decide acabar con los métodos convencionales de pintura.

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Su arte se inspira en el mundo de la infancia, pero también de la cultura popular, por lo que hay mucho simbolismo (el pájaro, un árbol, las estrellas, la figura femenina…) que refleja su visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado 1923), y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (centradas en el poder de la vida natural usando formas orgánicas basadas en  la biología pero con una fuerte tendencia a la abstracción.)

https://www.guggenheim.org/artwork/2934

https://artcontemporanigeneral.blogspot.com/2011/02/un-comentario-sobre-la-tierra-labrada.html

COMENTARIO DE LA OBRA: El Campo labrado 1923

Se suele considerar como una obra presurrealista, porque anuncia bastantes de los rasgos surrealistas. El colorido es todavía variado (amarillo, rojo, azul, gris, verde), pero menos intenso que en su pasado fauvista.

En su contenido parece que predomina lo anecdótico y lo fantástico, a veces lindando lo grotesco, aunque sin perder todavía de vista la sólida realidad que caracterizaba los elementos de la masía en la tierra de Mont-Roig, entre 1918 y 1923, de la cual aprovecha bastantes elementos, como son la misma masía de Mont-roig, la acequía, los surcos del campo, la higuera, la agave (aloe vera), la cabra, la lagartija, el perro, los conejos, el gallo, el caracol, el periódico... y añade más elementos, como el ojo, el pino y su piña, la oreja, la yegua y su potrillo, el caracol, el gusano, los pájaros, el labrador y el buey. 

El labrador está reducido aquí a un signo abstracto, en oposición a la potente materialidad de la mujer de La masía. El personaje principal es una forma triangular de color negro, elevada sobre un árbol cuyas ramas son las astas de las banderas, que representa la cabeza del campesino pintor, el propio Miró. 

El lagarto de la parte inferior es un ser cómico, actuando en esta función de circo de payaso tocado con un sombrero de burro, hace de falso hombre-cañón que surge como muñeco-sorpresa de un tubo cortado por los dos extremos que parece el cañón, y llamemos también la atención sobre que se relaciona con el diario “Journal” recortado en las letras “JOUR”.

Relacionadas con el hombre, destacan las banderas francesa e italiana (aisladas), catalana (la más grande) y española, éstas a la misma altura, que ondean mecidas por el viento, elevando sus puntas como optimistas alas de libertad. Es significativo que la francesa y la catalana estén en el mismo lado, contrapuestas a la española, porque en la mente de Miró se asocian a la idea de libertad. 

El pino es el único elemento que el propio Miró ha explicado: ‹‹Es el árbol que lo ve y oye todo. Para mí un árbol es una cosa viva››. El ojo es un símbolo de larga tradición en Occidente y Oriente, y probablemente Miró juega con esta dualidad: en el sentido occidental sería el ojo divino del omnipresente artista-creador, en el oriental sería el tercer ojo interior del artista que todo lo ve y refleja en el exterior un mundo imaginario del inconsciente. La piña es símbolo de fertilidad, sobre todo si se pone al extremo de una vara.

Es un reino de transición entre la tierra y el cielo. El sol es grande y luminoso, pero aparece herido por una triple herida, como insinuando que es el fin del día. Y en el lado derecho la noche ya ha hecho acto de presencia, cortando en diagonal una sección del cuadro, y la sombra del atardecer ya ha llegado a la sombra del árbol, antinatural porque se proyecta sobre la izquierda donde el sol previsiblemente ilumina más y anticonvencional porque se contrapone asimismo al mensaje escrito de las letras del diario doblado: “Jour” (el día en francés). La luna, por contra, es minúscula, y se coloca escondida como si fuera un fruto inadvertido del pino.

En ese mundo aéreo, los pájaros (probablemente una bandada de golondrinas) del lado izquierdo parecen huir del frío para acercarse al cálido sol mediterráneo. Un pájaro enorme, tal vez una paloma, se remarca contra la nube, que haría las veces de su plumón; estilizado en forma de cruz, porta en el pico una rama, lo que fácilmente lleva a la idea de la paloma de Noé, que anuncia aquí una nueva era de libertad vital para el pintor. Las nubes son formas llenas de vida, entre lo celeste y lo animal. 

Miró juega con el simbolismo sexual por la oposición de elementos masculinos y femeninos: el sol y la luna; los animales de significado masculino (perro, gallo), femenino (cabra, yegua) y hermafrodita (caracol, toro-vaca). Los animales más pequeños (conejos, caracol) son los más fidedignos, aunque estilizados, mientras que los más grandes (el toro y la yegua) remarcan sus atributos vitales.

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En 1924 firma el Manifiesto Surrealista e incorpora a su obra formas infantiles automáticas y signos caligráficos. Su obra se va volviendo cada vez más abstracta, más simple, más infantil. Reduce también su paleta a colores primarios, a formas primarias, y esto se ve también en sus esculturas y cerámicas.

 Técnica: Óleo sobre lienzo Dimensiones: 66 x 93 cm.

Análisis de 'El carnaval del arlequín'

 

El carnaval del arlequín, 1925: Son formas abstractas que sufren un proceso de metamorfosis, que se alejan del referente del que partieron, la naturaleza. A pesar del aparente desorden en el que se sitúan los diferentes personajes, hay un orden cromático. Siguiendo el colorido pasamos de un personaje a otro, sin un recorrido definido. Todos tienen la misma importancia, no hay una jerarquía establecida.

 Responde a una visión fantástica, con imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. Las figuras se disponen sobre fondos neutros y planos de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. 

El carnaval del arlequín es un ejemplo del lenguaje característico de Miró.

 

El segador 1937

Hacia 1934, Miró inicia su Periodo Salvaje, son años de una abstracción más acentuada, sin abandonar el dramatismo. A causa de la Guerra Civil, decide quedarse en París junto a su mujer, Pilar Juncosa y su hija. Inicia una pintura atormentada y gestual cuya máxima expresión es El segador 1937, realizada para el Pabellón de la República española en la Exposición Universal de París de 1937:

https://elpais.com/cultura/2017/03/30/babelia/1490870048_334983.html 

Afectado por la victoria del General Franco y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial se refugia en Varengeville, un pueblo normando.

Varengeville-sur-Mer

 Aquí su carrera da un giro definitivo, inicia su serie de  Constelaciones 1940-1941:

Se trata de veintitrés pequeñas composiciones inspiradas por la contemplación del cielo estrellado de la costa normanda, donde descubre un nuevo concepto del espacio.

En 1941, regresa a España. Continúa depurando su lenguaje y probará nuevos soportes y materiales. Desde 1956 hasta su muerte, en 1983, vivió retirado en Palma de Mallorca.

Serie de pinturas sobre las constelaciones

Joan Miró y las constelaciones

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En El pájaro migratorio 1970 , vemos dos figuras que se mueven en un enredo de encuentros y distanciamientos. Una mujer identificada por la forma estrellada del centro, que siempre se asocia con el sexo femenino y un hombre. Ambos tienen aspecto de pájaro, por las formas picudas de sus rostros. 

Están contemplando el cielo con los brazos abiertos, esperando que les aparezca la respuesta que buscan. El título nos da la clave para entender a esos personajes. Miró se propuso que su mensaje llegara al espectador, por eso los nombres de sus cuadros son tan evocadores y líricos.

Germán Coppini - Malos Tiempos Sinfónico HD

Mujer, pájaro y estrella 1973: Se observa la facilidad de Miró para combinar los colores y las formas geométricas. Es una pintura en la que las referencias a la figuración son evidentes y aparecen de manera nítida en la forma delineada sobre fondo blanco, en la que sobresale el contraste de los planos de color, que actúan como componente autónomo. La composición se centra en las tres figuras esenciales: la mujer, que alude al vínculo del ser humano con las raíces de la tierra, junto al pájaro y la estrella, que simbolizan la atracción poética y espiritual. Se define, además, por la fuerza del fondo blanco, que trata con toda la riqueza que le permite un elevado contraste que hace resaltar la cualidad de la materia.

Miró al final de su carrera artística experimentó otros medios artísticos, grabados, litografías, acuarelas, pasteles, collages, escultura y escenografías teatrales, realizando también los grandes murales cerámicos: La pared de la luna y La pared del sol para el edificio de la UNESCO y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid 1980:

JOAN MIRÓ

 "...Las cosas llegan lentamente. Mi vocabulario de formas, por ejemplo, no lo descubrí de pronto. Se formó casi a mi pesar. Las cosas siguen su curso natural...La cosa madura en mi espíritu. De modo que trabajo siempre en muchas cosas a la vez. E incluso en campos distintos: pintura, grabado, litografía, escultura, cerámica.(...) Para mí, un objeto es algo vivo: este cigarrillo, esta caja de cerillas contienen una vida secreta, mucho más intensa que algunos humanos. Cuando veo un árbol recio recibo una impresión, como si fuera algo que respirase, que hablara. Un árbol es también algo humano.(...) Trabajo en un estado de pasión y arrebato..."

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Los Simpson: Joan Miró

Cómo dibujar una INCREÍBLE ILUSIÓN ÓPTICA ANAMÓRFICA 3D

https://www.youtube.com/watch?v=nql3pv448-E

QUEMAR AL REY SÓLO CUESTA 200.000 € EN ARCO 2019. HAMPARTE

MANIFIESTO HAMPARTE ¿QUÉ ES ARTE Y QUÉ NO ES ARTE? DEFINICIÓN Y EJEMPLOS:

ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, es una de las principales ferias de arte contemporáneo del circuito internacional. Organizada por el IFEMA, se celebra anualmente en el mes de febrero en la capital española.

ARCO nació como una feria de galerías con la intención de reunir una oferta artística que fuera desde las vanguardias históricas hasta el arte emergente último, pasando por el arte moderno y el arte contemporáneo. La primera edición se celebró entre los días 10 y 17 de febrero de 1982, organizada por la galerista Juana de Aizpuru, en medio de la movida madrileña. Se celebró en el Palacio de Exposiciones de Ifema, en ese momento situado en el Paseo de la Castellana, que decoraron con la obra de Mondrian.​

-En este vídeo haremos un recorrido por la historia de las Ferias de Arte de Madrid y hablaré de las obras más polémicas de ARCO. Proyecto HARCO 2019:

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https://www.youtube.com/watch?v=0fo1Sn0VdzE

SALVADOR DALÍ: SURREALISMO

http://fonart2.blogspot.com/search/label/B5.6.%20RESUM%20BLOC%205

SURREALISMO: automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento. Se trata pues de un verdadero “dictado del pensamiento”, compuesto en ausencia de todo control efectuado por la razón (yo), fuera de cualquier preocupación estética y moral (superyó)”. 

André Bretón

André Breton fue un escritor, poeta, ensayista y teórico del surrealismo, reconocido como el fundador y principal exponente de este movimiento artístico. La inspiración básica de Bretón venía de las teorías del siquiatra vienés Sigmund Freud. Fue el psicoanálisis una de las teorías que más sedujeron a los surrealistas.

    Las ideas freudianas sobre lo inconsciente constituirán la base teórica del movimiento surrealista. Afirmaban la posibilidad de acceder al ser humano a través de técnicas como la asociación libre o la interpretación de los sueños. A los textos automáticos, se agregan los relatos de sueños; sueños que serán nocturnos y diurnos.

    Es así como a través del arte exploran el inconsciente, los sueños, la locura, los delirios y las fantasías. 

Su bigote era un homenaje al pintor Diego Velázquez

SALVADOR DALÍ | Draw My Life

Salvador Dalí (1904-1989): Es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Dalí infunde, además, una nueva animación al movimiento, dotándolo de su método de análisis paranoico – crítico. Define a este método, como espontáneo de conocimiento irracional, basado en la objetivación crítica y sistemática de las asociaciones, e interpretaciones delirantes.

Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía. Una de sus pinturas más célebres es La persistencia de la memoria, realizada en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.

 Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

La persistencia de la memoria, realizada en 1931.

    El mítico cuadro de relojes blandos de Dalí es, al contrario de lo que muchos piensan, un lienzo bastante pequeño, pero no deja de ser fascinante y es una de las estrellas del MoMA de Nueva York. Un simple paisaje marino (típico del Cadaqués daliniano, con el cabo Creus y su costa escarpada) en el que hay una escena insólita: una extraña criatura durmiendo o quizás inerte sobre la arena (hay quien ve un autorretrato del pintor) y unos relojes que se derriten sobre ella y sobre otros elementos del cuadro.

    Según el propio Dalí, que contaba con 28 añitos al pintarlo, dos cosas fueron su inspiración para este cuadro. En primer lugar se inspiró en los quesos camembert («tiernos, extravagantes») y otra inspiración fue la teoría de la relatividad de Einstein. Sabemos que Dalí era un enamorado de la ciencia y siguió el trabajo del científico con curiosidad. Al parecer los relojes derritiéndose son un símbolo inconsciente de la relatividad del espacio y el tiempo.

    Son relojes muy realistas que siguen marcando la hora (más o menos las 6 PM). La técnica de Dalí era muy académica y sus cuadros parecen sueños de verdad. Sabía hacer lo que él llamó «fotografías de sueños pintadas a mano».

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     Destino, un proyecto de animación que Salvador Dalí y Walt Disney comenzaron entre 1945 y 1946 pero que fue interrumpido 8 meses después por razones financieras. Durante años, los bocetos que realizó Dalí (junto con John Hench) permanecieron enlatados, hasta que en 1999 Roy E. Disney, sobrino de Walt, los encontró y consideró necesario completar el cortometraje. En el 2003, Destino fue presentada finalmente en diversos festivales cinematográficos, con relativo éxito.

Hace poco, alguien tuvo la curiosidad de saber qué pasaría si a la animación realizada para los estudios Disney se le sumara la música de Pink Floyd, en este caso no todo The Dark Side of the Moon, sino sólo una de sus pistas: la emblemática “Time”. El resultado es de inicio promisorio, pues reunir destino y tiempo sin duda es elocuente por sí mismo. ¿No van uno y otro de la mano en la vida? ¿No el destino se nos revela poco a poco conforme el tiempo transcurre inevitablemente? ¿Y no es el tiempo también una forma del destino, en su condición fatal e impostergable? Pero no abundamos en más comentarios y, mejor, invitamos a nuestros lectores a comprobar por sí mismos la coincidencia (¿afortunada?) de poder reunir a Salvador Dalí con Pink Floyd.

Destino & Time - Salvador Dali, Walt Disney and Pink Floyd

Sincronía Mágica (Dalí-Pink Floyd)

Año 1945: Hitchcock & Dalí - Recuerda (Spellbound)

La secuencia del sueño de la película "Spellbound" (Recuerda) fue diseñada por Salvador Dalí, y originalmente iba a durar un poco más. Alfred Hitchcock fue un gran admirador del trabajo de Dalí y se dio cuenta de que nadie entendía las imágenes del sueño mejor que él. 

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En 1865, Millet cuenta: "El Ángelus es un cuadro que he realizado, pensando en como, trabajando antaño en el campo, a mi abuela no se le escapaba, cuando oía tocar la campana, de hacer que nos detuviéramos en nuestra labor para rezar el ángelus para estos pobres muertos ".

Un hombre y una mujer rezan el ángelus, oración que recuerda el saludo del ángel a María durante la Anunciación. Han interrumpido su cosecha de patatas y todas las herramientas de este trabajo, la horquilla, los sacos y la carretilla, están representados. 

¿Qué es el Ángelus?:

Reminiscencia arqueológica del Ángelus de Millet,1934.
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Dreams of Dali: 360º Video:

En este video en 360º es posible “explorar” dicha pintura como si nos encontráramos en el inconsciente mismo de Dalí.
Como dato final cabe señalar la semejanza de las imágenes del corto particularmente con Reminiscencia arqueológica del Ángelus de Millet, un cuadro de Dalí de 1934 en el que dos estatuas enormes se alzan en un páramo, a la luz del ocaso, mientras un par de figuras diminutas caminan a sus pies, como si hubieran ido a visitarlas o a admirarlas. En este video en 360º es posible “explorar” dicha pintura como si nos encontráramos en el inconsciente mismo de Dalí.

http://periodicovictoria.mx/reflector/pasear-dentro-de-una-obra-de-dali-ya-es-posible/

Salvador Dalí creyó que la pintura poseía un significado oculto que él creyó desvelar gracias a la invención y desarrollo del llamado "método paranoico-crítico". Curiosamente una reproducción del cuadro de Millet colgaba en el pasillo de la escuela de Figueres a la que Dalí asistió de niño. Siendo joven aquella magnífica obra de arte se convirtió en el objeto fundamental del desarrollo de su método apareciendo a lo largo de su producción artística en la década de 1930 e incluso siendo adulto, en los años ‘60. Cuentan que cuando el pintor catalán veía ‘El Ángelus’ se sentía invadido por una sensación extraña al punto de obsesionarse con el cuadro. Afirmaba ver más cosas en la composición. Luego, por conversaciones que mantuvo con un amigo de Millet, supo que el artista francés tapó el ataúd de un niño porque había caído en la cuenta que no sería del gusto de las nuevas modas parisinas.

La obsesión por esta obra se manifestó en 1932, cuando la imagen lo sorprendió según sus propias palabras “sin ningún recuerdo próximo ni asociación consciente que permitan una explicación inmediata”

Dalí relacionaba esa ‘aparición’ con el hecho que el cuadro hubiera sido salvajemente atacado y acuchillado por un demente el 12 de agosto de 1932. El agresor, que fue entrevistado por el psiquiatra Jacques Lacan, había dudado entre dañar la ‘Mona Lisa’, de Leonardo da Vinci; el ‘Embarque para Citerea’, de Antoine Watteau o la pintura de Millet.

El pintor catalán dijo entonces que “Esa imagen constituye una representación visual muy nítida y en colores. Es casi instantánea y no da lugar a otras imágenes. Yo siento una gran impresión, un gran trastorno porque, aunque en mi visión de la mencionada imagen todo “corresponde” con exactitud a las reproducciones que conozco del cuadro, ésta se me “aparece” absolutamente modificada y cargada de tal intencionalidad latente que ‘El Ángelus’ de Millet se convierte “de súbito” para mí en la obra pictórica más turbadora, la más enigmática, la más densa, la más rica en pensamientos inconscientes que jamás ha existido”.

Para el artista plástico catalán, el cuadro de Millet oculta un significado que se relaciona con la castración y la muerte. Utilizando teorías freudianas, Dalí interpreta la menor dimensión de la figura masculina de la obra como una prueba de la agresión femenina. Compara la figura de la campesina con la hembra de la mantis religiosa, que devora al macho después de la cópula. La carretilla es interpretada como una imagen de sumisión sexual, y el cesto que está en el suelo entre los dos campesinos que rezan, como una alusión al sarcófago del hijo muerto.

Este método fue acogido con gran entusiasmo por parte de los miembros del grupo surrealista en París y especialmente por su ideólogo, André Breton. El significado de la obra, según Dalí, se relaciona con el contenido sexual de la misma.

Ante la insistencia del pintor surrealista, el Museo del Louvre (que es donde se encontraba por entonces la obra, antes de ser trasladada al Museo D'Orsay, su actual residencia) decidió hacer una radiografía del cuadro y pudo comprobarse que debajo de la cesta había una mancha cuadrangular negra, que pudo haber correspondido a un pequeño ataúd con el cuerpo sin vida del hijo de los campesinos. Dalí lo consideró una prueba de su teoría. Para su interpretación se basó en el ensayo Da Vinci y ‘Un recuerdo infantil de Leonardo Da Vinci’ de Sigmund Freud. Es decir, sin detenerse en los detalles biográficos de Millet, exploró sólo su carácter simbólico.

Otro detalle significativo es que en algunos trabajos de Salvador Dalí se observa una aguja que se yergue de la figura femenina y que podría ser la aguja de una máquina de coser. La figura masculina, en cambio, se la imagina Dalí sumergida en leche tibia y es, según manifestó “la imagen del hombre engullido, ahogado, muerto en el elemento materno, dentro de la tibieza materna, y esa tibieza corresponde al aspecto deseable que nos revela el erotismo originario y temido”. Dalí se identifica así con la figura masculina de El ángelus, expuesta a la aniquilación, a ser devorada por la madre.

Otro detalle de la particular interpretación de Dalí sería la carretilla que está detrás de la mujer y que aparece cargada de sacos; según el pintor aludiría al movimiento de tracción inherente al acto sexual....

Salvador Dali cortos anuncios

Salvador Dali - Genio loco TVE

Salvador Dali supersticioso rompe un espejo - Años 70

El silencio de los corderos (1991)

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS 
https://www.youtube.com/watch?v=PkPkMsz4usI

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EL PODER DEL GOSSIP | TER. Dalí minuts: 4'40'' al 8'40''
https://www.youtube.com/watch?v=2P9mkyDkmQs&t=659s

DADAISMO

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). La primera celebración en el Cabaret Voltaire consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión causado por el desinterés social característico de los artistas del periodo de entreguerras. El poeta rumano Tristan Tzara  llegaría a ser el emblema de este movimiento.

El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte y se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. El Dadaísmo propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo, también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo.

La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional.

Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. 

Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través de los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido, pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte,  a través de una sucesión de palabras, letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. 

Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio Dadaísmo.

El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —una rueda de bicicleta, un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage) viene del Dadaísmo.

  

El Dadaísmo dejó como legado las revistas y el manifiesto, que son la mejor prueba de sus propuestas. Pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.

Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad. 

ARTISTAS DADAISTAS:

Tristan Tzara (1896-1963) :  Fue un poeta rumano fundador del movimiento antiarte  dadaísta, asimismo considerado como su máximo exponente y figura. 

https://es.wikiquote.org/wiki/Tristan_Tzara

Jean Arp (1886-1966):  Escultor, pintor y poeta francés que participó en la creación del movimiento Dadá y realizó aportes significativos al arte abstracto y al movimiento surrealista. 

Composition Dada, 1919.

Tinguely (1925-1991): fue un pintor y escultor suizo. Es famoso por sus "máquinas escultura" o arte cinético conocido oficialmente como Méta - Matics. A través de su arte Tinguely satirizó la sobreproducción sin sentido de bienes materiales por parte de la sociedad industrial avanzada.

Su obra más famosa es una escultura que se autodestruye, llamada Homenaje a Nueva York (1960), se autodestruyó en forma parcial en el Museum of Modern Art, de Nueva York, aunque su obra posterior, Estudio No.2 para un fin del mundo (1962), detonó de forma exitosa enfrente del público reunido en el desierto cerca de Las Vegas.

https://detectivesdelarte.wordpress.com/2013/05/05/jean-tinguely-sus-maquinas-y-sus-planos/

  

Man Ray (1890-1976): 

«El violín de Ingres» (Le violón d’lngres) hace referencia a las dos aberturas del instrumento que Man Ray dibujó con tinta china en las espaldas de su amante, la maravillosa Kiki de Montparnasse. Dándole a ese desnudo femenino el cuerpo sonoro de un violín, surge toda una cadena de asociaciones condicionada, y no sólo por el título de la obra.

Man Ray dota a la foto de una especial intensidad erótica, similar a los últimos años de Jean Auguste Dominique Ingres, y sobre todo a su célebre «bañista». Tanto el título como el turbante es un homenaje al maestro.

Explicación poemas DADA. A partir del minuto 7.
https://www.youtube.com/watch?v=rdhhMNnGxRM
Bartolomé Ferrando // PinPanPun 2014

ART NOMADE Bartolome Ferrando

CON EL RABO ENTRE LAS PIERNAS 

Bartolome Ferrando

MAN RAY

Man Ray,1890-1976.

Man Ray fue un fotógrafo, pintor, escultor y cineasta relacionado con el arte modernista, el dadaísmo y el surrealismo. Se hizo famoso por su fotografía de vanguardia y como autor de retratos.

   Se mudó a París en 1921 y su estilo tuvo grandes cambios. Empezó a fotografiar personas en lugar de pintar retratos. El desarrollo artístico efervescente de la capital francesa le animó a experimentar y a probar todas las manifestaciones artísticas disponibles.

 

Empezó a presentar sus rayoramas, unas imágenes fotográficas que hacía sin cámara, en las que exponía a la luz objetos sobre papel fotográfico que después revelaba. Se le consideró un visionario adelantado a su época, a lo que él respondía: "No, yo estoy en mi época, pero vosotros os habéis quedado rezagados".

 Man Ray ya era el mayor referente en manipulación fotográfica.

     A finales de los años 20 hizo incursiones en el cine de vanguardia. En los treinta trabajó con las solarizaciones, que eran negativos fotográficos expuestos a la luz. Volvió a la pintura surrealista y publicó varios volúmenes de fotos y rayogramas. En 1936 su obra estuvo en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Man Ray Grandes miradas de la fotografía:https://www.youtube.com/watch?v=l5EfVTcLLqo
https://www.youtube.com/watch?v=slyd71dFK6Y
Man Ray: vita e opere in 10 puntihttps://www.youtube.com/watch?v=CE7QFMZT_YY
Man Ray and the Rayograph

      El arte de Man Ray esquiva las clasificaciones, está cargado de imaginación, sensibilidad y sentido del humor. Como pionero del dadá y del surrealismo, sus obras son siempre originales, intencionadamente incongruentes, incluso irracionales, a veces eróticas y casi siempre escandalosas. Fue un gran artista multidisciplinar cuya creatividad no tuvo límites.