dimarts, 1 de gener del 2019
dijous, 27 de desembre del 2018
Alphonse Mucha. El ARTE del cartelismo.
Alfons o Alphonse Mucha (1860-1939). Polifacético artista, pintor, decorador y cartelista nacido en la ciudad morava de Ivancice (Imperio austríaco). Es considerado uno de los mayores representantes del Art Nouveau, pionero del merchandising y precursor de la publicidad moderna. Creó un estilo propio caracterizado por utilizar formatos muy verticales y composiciones cuidadosamente elaboradas que vienen enmarcadas por elementos geométricos de origen oriental y bizantino (columnas, arcos…). Utilizaba elementos naturales y orgánicos que le ayudaban a equilibrar tensiones mediante lineas y formas curvas y dotan de un aspecto exótico y exuberante a la obra. Crea atmósferas de gran misterio repletas de elementos teatrales y alegóricos.
Es habitual la utilización de la figura femenina que actúa a modo de reclamo publicitario, estas icónicas mujeres son generalmente jóvenes seductoras de larga melena y sofisticadas vestimentas que ejercen un gran poder de atracción sobre el espectador. Como contrapunto Alphonse Mucha siempre destacó la importancia espiritual de sus obras sientiéndose frustrado por la fama que logró a través del arte comercial, defendía el arte como inspiración.
Gismonda (1894).
FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN
Sarah Bernhardt, actriz principal de Gismonda, no estaba conforme con el cartel que se usaba para publicitar la obra. Llamó, la tarde de Noche Buena, a la imprenta donde trabajaba Mucha (se encargaba de revisar bocetos) y les pidió que le realizaran un nuevo póster para antes de Año Nuevo. Le cedieron el encargo a Mucha, quién realizó una obra radicalmente nueva y rompedora hasta el momento y que sorprendió a toda la ciudad de París. Esta primera obra de Mucha influenció en gran medida las nueves corrientes que nacían y catapultó al artista a la fama, convirtiéndose dicho cartel en pieza de coleccionista de inmediato. También firmó un contrato para seis años con Bernhardt e hizo un total de 9 carteles más para ella.
Se considera una de las primeras obras representantes del Art Nouveau naciente, por su estilo rompedor y porque creó escuela (durante mucho tiempo se denominó Mucha Style, antes de denominarse “nuevo arte”). El impacto del cartel de “Gismonda” fue, pues, enorme. Tal como se aprecia en la imagen, la figura de Gismonda es representada con las características típicas del Art Nouveau: figura femenina muy estilizada, haciendo uso de las curvas y las ondas, de ornamentos naturales como flores y las palmas. El vestuario de la chica recuerda a un kimono oriental, pues esta corriente se inspiró mucho en el arte asiático. Además, está pintado a modo de mosaico y a escala real de la modelo.
REFLEXIÓN SOBRE LA PIEZA
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| Cartel inicial para "Gismonda" (1894) |
La primera obra de Mucha fue la que abrió las puertas del Art Nouveau e hizo que creciera su popularidad. Este cartel, pues, fue un empujón final hacia la creación del nuevo estilo. Como se ve en el original de Gismonda, ya se apuntaba hacia este uso de las formas orgánicas y naturales pero se mantenía un estilo realista, en cambio Mucha rompió con esa concepción. El modo de representación de las figuras es totalmente nuevo y nunca visto, y a pesar de representar unas escenas estilizadas e irreales su belleza y equilibrio es magnífico, dotando de ese sentido que tanto se buscó en la época de realizar un arte bello pero asequible.
Georges Braque
Picasso y Braque explican el Cubismo:
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Instrumentos musicales, 1908. Óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm.
Casas en L’Estaque, 1907. Óleo sobre lienzo, 54,6 x 46 cms.
Uno de los mejores cuadros que expresan la influencia de Cezanne en su obra, realizado en el otoño de 1907, poco después de haber admirado la exposición retrospectiva del anterior. Braque insiste en crear formas geométricas afiladas, recortadas por líneas rectas en cuyo interior emplea gradaciones progresivas de escasos colores y muy aplanados. El espacio que crea es inaccesible. Como Cézanne, Braque deja áreas de lienzo sin pintar.
Los paisajes geometrizados de L´Estaque marcan los inicios oficiales del cubismo al ser descritos por Matisse como cuadros hechos a base de pequeños cubos, comparación que inspiró al crítico Louis Vauxcelles para bautizar el nuevo estilo artístico con el nombre de cubismo.
El rigor geométrico en el análisis de la naturaleza les lleva a anular todo elemento subjetivo en el cuadro. Por ello, hay momentos en que es casi imposible distinguir un lienzo de Picasso de otro de Braque. Veamos por ejemplo estos dos paisajes que se comparan a continuación. Sólo la pincelada y una evolución hacia un sentido aún más cúbico y plano del segundo grupo de casas, por ser pintado sólo un año más tarde, nos sirve para distinguir las etapas, más que a los artistas.
El gran desnudo, 1907-08. Óleo sobre lienzo, 140 x 100 cm.
Este cuadro evoca a la vez «Las bañistas» de Cezanne y «Las señoritas de Aviñón» de Picasso, pero también hay algo todavía del color de Matisse.
En este lenguaje pictórico de clara influencia de Cezanne y de Picasso, Braque evoluciona decididamente entre 1908 y 1909 hacia lo que los críticos calificarían como el cubismo. Abandona totalmente el concepto tradicional del espacio y construye sus obras por medio de grandes planos geométricos.
Durante los primeros meses del año 1908 Picasso y Braque se veían prácticamente todos los días e intercambiaban opiniones sobre cuestiones artísticas. Picasso recordaba: "casi todas las tardes o bien iba yo al estudio de Braque o bien él venía al mío. Sencillamente, cada uno de nosotros tenía que ver lo que el otro había hecho durante el día". La estrecha relación entre ambos pintores dio lugar a que, prescindiendo de los encargos, los temas elegidos para los cuadros fueran idénticos.
Como podemos comprobar los instrumentos de música fueron un motivo de inspiración para el artista porque gustaba especialmente de ellos, los tocaba y los coleccionaba en su propio taller. Georges Braques aparece tocando el bandeón en su estudio de la Rue Caulaincourt, Paris, en 1911. Muchos de los objetos que aparecen se pueden ver en las pinturas cubistas de este período.
Braque es junto con Pablo Picasso el iniciador del cubismo a principios del siglo XX y conviene conocer cuales son sus aportaciones en sus diferentes vertientes, tanto el cubismo analítico, como el cubismo sintético. Menos conocido que Picasso aparece como una figura crucial en el arte del siglo XX:
Juan Gris y el cubismo.
Juan Gris nació en la ciudad de Madrid en el año 1887 y desde muy pequeño ya demostró una gran habilidad y vocación por la pintura. El año 1906 fue clave en su vida y es que la muerte de su padre, el querer huir del servicio militar y el deseo de comenzar su carrera artística, lo hacen marcharse a París. Ese mismo año, conoce Picasso y lo conoce investigando en la creación de un nuevo estilo, el que posteriormente sería el cubismo. Picasso, fue digamos quién acabó metiendo a Juan Gris en el ambiente intelectual, artístico y de marchantes de obras de arte, entablando amistad con otros pintores como lo fueron George Braque o Fernand Léger.
Aunque los primeros años (1906 – 1911) de Juan Gris fueron relativamente inestables en el sentido artístico pues, para sobrevivir en un principio se tuvo que dedicar a la ilustración para diferentes revistas y periódicos, poco a poco, se fue introduciendo en el tema de la pintura aplicando esa nueva experiencia cubista en la que Picasso le adentró, de cómo representar objetos que desde un único plano fueron vistos diferentes puntos de vista. Y así, y de manera continua veremos cómo su obra evolucionará hacia esa primera fase cubista, el cubismo analítico, en cuya paleta cromática predominaban las tonalidades grisáceas y ocres.
El año 1912, en ese nuevo intento de dar un paso más allá dentro del cubismo, en una segunda fase, conocida como el cubismo sintético, será cuando Juan Gris se encuentre especialmente cómodo, gracias a la introducción de nuevas técnicas como el collage o el papier collé, es decir, recortes de cartón y papel, muchas veces de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el pigmento. Esa fue su marca de identidad y su principal aportación al cubismo. El suyo fue un cubismo, por cierto, mucho más estilizado y suave que el de sus dos compañeros.
Con el tiempo se distanció de Picasso y se le acusó de no evolucionar demasiado en cuanto a su pintura. Continuó siendo fiel al cubismo, aunque dandole un poco más de color a la cosa.
Moriría de insuficiencia renal con 40 años en Francia, país que ya lo había adoptado como uno de sus artistas. En España apenas se reconoció su obra. Incluso hoy su producción tiene escasísima presencia en los museos públicos.
de las cuales acabo convirtiéndose en un gran experto. Ese mismo año fue importante porque fue cuando se dio a conocer en una exposición con algunas pinturas cubistas en el Salon des Indépendents de París y, de este entonces, siguió estudiando, evolucionando, innovando… dentro de esta segunda fase del cubismo sintético.
El reloj (1912).
El reloj es un óleo y collage sobre lienzo cuyas medidas son de 65 × 92 cm y actualmente forma parte de una colección privada. Es una pieza importante porque se trata de la primera obra en introducir motivos impresos, que son fragmentos de dos poemas de Apollinaire.
También vemos detalles realistas, no tan propios de esa descomposición cubista como son las borlas del cortinaje, la etiqueta de la botella de Jerez, así como los números del reloj, que es el que le da el nombre a dicha pintura.
Para finalizar, la introducción de nuevos colores que no son los grises y ocres, nos hacen ubicar esta obra, en ser de las primeras realizadas para esa segunda fase, en la que él es especialmente conocido, el cubismo sintético.
Juan Gris convierte una botella del popular licor espirituoso español Anís del mono en un cuadro cubista. Fue él junto a Picasso y Braque uno de los líderes del movimiento cubista que se estaba causando estragos en la percepción del arte tradicional. Es quizás por ello que aparecen en el cuadro tres ciudades ligadas a estos tres grandes artistas: Badalona (cerca de Barcelona), París y Madrid; y al lado una medalla con la palabra «premio»,aludiendo a los triunfos de los tres creadores del movimiento.
Gris se sirve de técnicas cubistas de división y reunificación de objetos y espacio, y como sus compañeros introduce objetos cotidianos como el omnipresente periódico (Le Journal) o la botella de anís. Anticipándose así al POP ART.
La ilustración y logotipo de Anís del mono fue creada por Ramón Casas en 1898 y sirvió a Juan Gris de inspiración para este cuadro. Desde entonces, dicha etiqueta, fue utilizada por numerosos artistas (seguramente muy aficionados al anís) como Picasso o Diego de Rivera.
CUBISMO: Pablo Picasso
Pablo Picasso, 1881–1973.
Descripción del cuadro
La escena tiene lugar en el interior de un prostíbulo; esto no se deduce mirando simplemente el cuadro sino por el conocimiento que se tiene de la historia de esta obra desde que Picasso la mostró en privado a un grupo de amigos. Aparecen cinco mujeres desnudas y en el centro, en la zona de abajo se muestra un bodegón compuesto por algunas frutas: una raja de sandía, un racimo de uvas, una pera y una manzana, todo ello sobre una mesa tapada con un mantel arrugado de color blanco.
De las cinco mujeres hay tres que tienen unas caras especiales, como si en realidad fueran máscaras pintadas sobre el rostro. Se trata de la que está a la derecha agachada, la que está detrás de ella y la que se encuentra a la izquierda. Las dos del centro tienen sus caras más acordes con el resto del cuerpo. La mujer de la izquierda parece que está entrando en la habitación y sujeta un cortinón con su mano izquierda alzada. La figura que está a su lado, otra mujer desnuda, tiene una perspectiva muy especial. A primera vista parece que está de pie, aunque con una postura forzada. Si el espectador se abstrae en esta sola figura puede ver que Picasso la pintó tumbada y vista desde arriba, con su brazo derecho doblado tras la cabeza y una pierna cruzada sobre la otra. A continuación la mujer que está en el centro levanta los brazos doblados por detrás de su cabeza. En la esquina de la derecha está la única figura sentada, en una posición anatómicamente imposible, de espaldas al espectador pero con la cabeza completamente de frente. Tras ella se encuentra la quinta mujer, de pie, que también parece descorrer una cortina.
Los colores oscilan entre el rosa, ocre, azul y blanco.
La escena tiene lugar en el interior de un prostíbulo; esto no se deduce mirando simplemente el cuadro sino por el conocimiento que se tiene de la historia de esta obra desde que Picasso la mostró en privado a un grupo de amigos. Aparecen cinco mujeres desnudas y en el centro, en la zona de abajo se muestra un bodegón compuesto por algunas frutas: una raja de sandía, un racimo de uvas, una pera y una manzana, todo ello sobre una mesa tapada con un mantel arrugado de color blanco.
De las cinco mujeres hay tres que tienen unas caras especiales, como si en realidad fueran máscaras pintadas sobre el rostro. Se trata de la que está a la derecha agachada, la que está detrás de ella y la que se encuentra a la izquierda. Las dos del centro tienen sus caras más acordes con el resto del cuerpo. La mujer de la izquierda parece que está entrando en la habitación y sujeta un cortinón con su mano izquierda alzada. La figura que está a su lado, otra mujer desnuda, tiene una perspectiva muy especial. A primera vista parece que está de pie, aunque con una postura forzada. Si el espectador se abstrae en esta sola figura puede ver que Picasso la pintó tumbada y vista desde arriba, con su brazo derecho doblado tras la cabeza y una pierna cruzada sobre la otra. A continuación la mujer que está en el centro levanta los brazos doblados por detrás de su cabeza. En la esquina de la derecha está la única figura sentada, en una posición anatómicamente imposible, de espaldas al espectador pero con la cabeza completamente de frente. Tras ella se encuentra la quinta mujer, de pie, que también parece descorrer una cortina.
Los colores oscilan entre el rosa, ocre, azul y blanco.
https://www.youtube.com/watch?v=STVEFqUbCpM
GUERNICA, 1937.
Antonio García Villarán es uno de los youtubers actuales más carismáticos y provocadores de la red. En poco tiempo ha conseguido más de 250000 seguidores hablando de arte sin pelos en la lengua.
ARTE ANIF: Henri Rousseau (1844-1910) .
Naïfs o aficionados por el hecho de no dedicarse a la pintura como única actividad sino al margen de las variadas tareas profesionales que tuvieron que desempeñar para ganarse la vida. Sin embargo, eran artistas plenamente convencidos de serlo, sintiéndose por encima de todo pintores. Sin formación académica alguna, en todos los casos fueron creadores autodidactas.
Presentaron un completo distanciamiento, tanto en procedimientos como en temática, con respecto a sus contemporáneos, al recurrir a las técnicas realistas consideradas obsoletas por la vanguardia, con las que recrearon determinados temas estimados del mismo modo, pasados de moda.
Sin embargo, el interés que despertó este grupo de creadores radicó en la particular manera que tuvieron a la hora de afrontar la representación de la realidad. Como resultado de su personal idea de arte, entendido no como algo reflexivo y trascendente sino como reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior, las obras de estos artistas mostraron como rasgo principal el ambiente completamente sereno y despreocupado que otorgaron a la existencia.
Fue esta cualidad, tremendamente valorada en un momento de enorme desasosiego, lo que fundamentó el reconocimiento artístico de estos pintores. Sus obras comenzaron a valorarse como auténticos exponentes de la ingenuidad perdida hacía tiempo, unas formas de arte puras tan impactantes como las expresiones del arte primitivo y, en general, como las manifestaciones de las culturas de los pueblos considerados exóticos, tan valoradas por todo el conjunto de expresionistas como las únicas formas artísticas íntegras, ajenas a cualquier tipo de contaminación externa.
El principal representante de este grupo de creadores fue HENRI ROUSSEAU, (1844-1910) establecido desde 1869 en París donde se empleó como portero en la aduana de las puertas de la ciudad, lo que le valió el apodo de Le Douanier o Aduanero. Aunque ésta era su ocupación oficial, su verdadera pasión era la pintura, convencido además de su talento como creador. Rousseau empezó a pintar de forma autodidacta a los 49 años, tras abandonar su puesto de gris funcionario.
Su extraña personalidad, mezcla de ingenuidad y conocimiento, le llevó a ser considerado por los escritores y pintores bohemios de Motmartre, una especie de visionario, santón o profeta que del mismo modo que pintaba, daba clases de recitación y violín. Sus creaciones no pasaron desapercibidas, despertando el interés de algunos de los principales artistas de vanguardia, desde Redon hasta Toulouse-Lautrec, pasando por Picasso, Léger, Delaunay y el mismo Apollinaire.
Ahora bien, Rousseau contó con la suerte de desarrollar su obra en el momento de creación del Salón de los Independientes, lo que le permitió, desde 1886 y hasta su muerte, presentar anualmente su producción, lo que probablemente no hubiera sido posible de no haber existido esta opción y haber tenido que exponer en el Salón Oficial, donde a buen seguro no hubiese sido aceptado.
Sus intereses temáticos se centraron principalmente en retratos y paisajes que desarrolló a partir de un lenguaje de gran ingenuidad e importantes dosis de fantasía que, como consecuencia de su autodidacta formación, se singularizó por el carácter extremadamente lineal, empleo de unas perspectivas de gran convencionalidad aunque ligeramente sesgadas y el empleo de armónicos y sutiles colores, lo que se tradujo en unas producciones de naturaleza intemporal e imágenes arquetípicas reducidas a la esencia.
La encantadora de serpientes, de 1907.
Es una de sus producciones más destacadas, emblema de su concepción artística. La exuberancia y el grado de exotismo que logró imprimir a la representación de las selvas tropicales, hizo pensar que incluso pudiera haber viajado hasta los lugares exóticos que le hubieran permitido el conocimiento directo de tales naturalezas, que, sin embargo, fueron fruto de la inspiración conseguida en los jardines botánicos de París. La escena compuesta a partir de formas absolutamente precisas, serpientes enrolladas en la vegetación tropical perfectamente definida, y sobre los hombros de una mujer de piel osura, trasmite no obstante, un grado de irrealidad y fantasía tal que hacen de la composición un paisaje quimérico de gran excentricidad. La figura principal está aquí oscurecida. Misteriosa, toca una flauta a cuyo son parecen acudir diversos animales, además de las serpientes mencionadas en el título.
Sus pinturas sobre la selva son extremadamente detallistas, hipnóticas. Motivos vegetales por todas partes y en medio, se camuflan figuras (tigre devorando búfalos, caballo atacado por jaguar, lucha entre gorila y humano…)
En La encantadora de serpientes, sin embargo, no existe esa violencia sino más bien una extraña serenidad. Un tranquilidad onírica que fascinó tanto a los surrealistas por plasmar los sueños como a los cubistas y fauvistas por su simplificación y geometrización de las formas (en este caso vegetales). Se inspiró para estos paisajes en postales y cromos, además del Jardín Botánico de París.
https://www.google.com/maps/search/jardin+botanico+de+paris/@48.8466918,2.354535,1990m/data=!3m1!1e3
El sueño, 1910.
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A H. Rousseau no le hizo falta viajar a exóticos países para pintar junglas. Hasta en veinticinco ocasiones soñó con ellas en sus lienzos. Ni una sola vez salió de Francia. La rêve (El sueño, 1910) es, en cierto modo, el pináculo de su obra y la última que completó antes de su muerte. Una obra intuitiva, en parte debido a la falta de formación académica de su autor, exenta de perspectiva y proporción de los objetos. Figuras planas, yuxtaposiciones de elementos conformando una especie de mural onírico, rayando en lo abstracto.
Es un cuadro de grandes dimensiones, donde se aprecian muchas tonalidades de verde, que representa a una mujer (Yadwigha, la amante de Rousseau) tumbada en un sofá. En su sueño, la mujer aparece inmersa en una selva exótica, conviviendo con bestias salvajes, mientras la música de un instrumento de viento (una especie de oboe rústico) inunda el espacio.
Entre sus mejores aportaciones en el campo de la retratística figura el Retrato de Pierre Loti.
dimecres, 26 de desembre del 2018
EL FAUVISMO: Henri Matisse
Las palabras "les fauves" fueron hechas como parte de una crítica de arte publicada en el periódico por Louis Vauxcelles sobre la obras presentadas en una exposición: El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras.
El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse entre sus integrantes estaban André Derain y Maurice de Vlaminick. El Fauvismo fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse entre sus integrantes estaban André Derain y Maurice de Vlaminick. El Fauvismo fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los
fauvistas creían que a través de los colores podían expresar
sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No
buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del
color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos
naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores
violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon
una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas,
evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales,
encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían
a un ejercicio de síntesis o abstracción, buscan la máxima
intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de
elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al
claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a
desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos,
naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes...
Minut: 1'13''- 6'30''
MATISSE: Henri Matisse (1869-1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Llevo al límite las experimentaciones de la pintura fauvista. Supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Cézanne o Gauguin, las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas. Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le lleva una caja de pinturas; dijo de este momento de su vida que descubrió una especie de paraíso. Y a partir de entonces decide convertirse en artista plástico, a pesar de que esto decepcionó profundamente a su padre.
Pintó a la manera fauve: supresión de detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de sensualidad y armonía, como Lujo, calma y voluptuosidad. Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros. Su uso del color fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón». Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como La habitación roja (o Armonía en rojo) en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano.
OBRAS de Henri
Matisse:
La Danza, 1909.
Lujo calma y voluptuosidad, 1904.
La habitación roja, 1908.La Danza, 1909.
LO QUE ESCONDE SALVADOR DALÍ. GALA, ARTE, HAMPARTE Y DÓLARES
Mirar minut 19'34"
La Música, 1910.
Pierre Bonnard (1867-1947)
Pintor, litógrafo y fotógrafo francés, Pierre Bonnard fue miembro del grupo simbolista de los nabis y evolucionó con posterioridad hacia un estilo personal ligado al impresionismo.
Nabis es la denominación de un grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por su preocupación por el color.
Estudió leyes y en 1889 comenzó a trabajar como abogado, actividad que compaginó desde 1887 con clases de dibujo y pintura. La aplicación del color, distribuido en amplias zonas, y el simbolismo del arte de Gauguin, unidos al gusto por el arte japonés, fueron tomados como referencia por el grupo nabi. Tras la primera exposición que celebraron juntos en 1891, Bonnard decidió definitivamente dedicarse a la pintura y alquiló un taller en Montmartre.
Los contactos de los nabi hicieron que sus lazos con el teatro fuesen estrechos; por ello Bonnard realizó, junto a otros miembros del grupo, decorados y vestuario para obras de teatro como Ubu roi, de Alfred Jarry, en 1896. Asimismo, trabajó en el diseño de vidrieras, muebles y tejidos y colaboró en la ilustración de libros, periódicos y revistas, como La Revue Blanche. En las oficinas de esta revista conocería a numerosos escritores y personalidades de la época, entre ellas a Misia, esposa de Thadée Natanson, editor de la publicación, que se convertiría en una de sus modelos preferidas.
Con el cambio de siglo, Bonnard realizó numerosos viajes por Europa acompañado en muchos de ellos por Édouard Vuillard. Alejado de las nuevas corrientes pictóricas parisienses, adoptaría un estilo personal que parecía reinterpretar el impresionismo de Renoir y Monet y en el que, a partir de 1909-1910, la luz y el color del Midi francés dejaron una fuerte impronta. La temática de sus obras se centró aún más en escenas íntimas y retratos de familia, con un toque sensual, expresivo y decorativo. Las dos últimas décadas de su vida celebró gran cantidad de exposiciones y fue reconocido por artistas como Paul Signac, Henri Matisse y Georges Rouault.
OBRAS: “El camino encajonado" y "Claro de sol".
dimarts, 25 de desembre del 2018
SIMBOLISMO. Odilon Redon (1840-1916).
Odilon Redon (1840-1916): Pintor de la imaginación y del subconsciente en plena hegemonía del naturalismo, contemporáneo de los impresionistas, con los que expuso en 1886, pero con los que no compartió la misma estética, fue un artista al margen. A pesar del papel fundamental que ha desempeñado en la génesis del arte moderno, así como de su innegable celebridad y de haber producido una obra, a día de hoy, presente en casi todos los grandes museos, sigue siendo uno de los artistas menos conocidos del cambio de los siglos XIX y XX.
Odilon Redon y el Simbolismo: El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.
Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.
En un principio, la pintura de Redon manifestó una oposición al impresionismo, así como los impresionistas trabajaban en el experimento del color, Redon trabajó en una magnifica serie de dibujos y litografías, a la que él mismo llamaría “Los Negros”. En Odilon Redon, el interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se hace patente en su temática. Su obra se puede dividir en dos partes, una en blanco y negro y otra en color. Para él, el negro era el príncipe de los colores. La araña sonriente, El sueño acaba con la muerte o El ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito son algunos ejemplos. Esta última es un precedente claro del surrealismo. El tema del ojo permite la conexión con los surrealistas, aunque también es una actitud simbolista. En sus litografías aparecen metáforas a obras de escritores como Edgar Alan Poe, Baudelaire o Flauvert.
The Crying Spider, 1881 Cactus Man, 1881
Son dibujos, grabados… en negro, ya que estuvo 40 años desarrollando su obra en este camino. Hemos visto “Araña sonriente” donde muestra emociones y al mismo tiempo cómo pueden ser pesadillas de muchas personas. En la pareja, “Araña llorando”, podemos ver la relación con “Hombre cactus” y la gran influencia de sus visitas al museo de Historia Natural.
Los textos de Poe le fascinan, como El cuervo o El ojo delator que tienen mucha relación con algunas de estas imágenes. Su relación con la literatura le llevaría a ilustrar varios libros de su amigo Baudelaire.
Eye-Balloon, 1898:
The Raven, 1882. El ojo,1880 – 1885.
"Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible.”
En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos, como los Nabis, y su futura consideración como precursor del surrealismo. Redon da rienda suelta a su fantasía, entremezclando mitos paganos con materialismo científico, animales imaginarios con maquinaria de la Revolución industrial. En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos, como de su futura consideración como precursor del surrealismo. Fue, como se sabe, un pintor que confesó siempre su admiración por Goya (que murió en Burdeos, ciudad natal de Redon). Al pintor español le dedicó algunos de sus trabajos más inquietantes, inspirados en las series de Los caprichos, Los desastres de la guerra y las pinturas negras.
Hasta 1890 su trabajo fue casi exclusivamente en blanco y negro, pero poco a poco, y rondando ya los cincuenta años, sus litografías se tornan más luminosas, hasta alcanzar finalmente el color. Es entonces cuando las litografías y dibujos al carbón son sustituidos por acuarelas y óleos. Sus temas siguen siendo los mismos: mitos clásicos, orientales, bíblicos, literarios y científicos adaptados a su particular y un tanto alucinada visión interior.
El mundo en blanco y negro del artista empieza a ver la luz, como hemos dicho, a partir de 1890, cuando empieza a trasladar al color la temática onírica. Es la obra Yeux clos (Ojos cerrados, 1890), que tiene una versión pintada y otra litografiada, la que marca un punto de inflexión y lleva a Odile Redon a dedicarse con absoluta originalidad a la pintura al pastel, del que sigue siendo, junto con Degas, uno de los mayores maestros
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